REVOLUCION SOLAR

Los Homunculos

2010-02-16T15:33:00.000-08:00

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Los Homúnculos

Homúnculo de Hartsoeker.

El término homúnculo (del latín homunculus, ‘hombrecillo’, a veces escrito homonculus) es el diminutivo de hombre (a menudo despectivo) y se usa frecuentemente para ilustrar el funcionamiento de un sistema. En el sentido científico de un actor primordial incognoscible, puede ser visto como una entidad o agente.

Historia

El término parece haber sido usado por primera vez por el alquimista Paracelso, quien una vez afirmó haber creado un falso ser humano al que se refería como el homúnculo. La criatura no habría medido más de 30 centímetros de alto y hacía el trabajo normalmente asociado con los golems. Sin embargo, tras poco tiempo, el homúnculo se volvía contra su creador y huía. La receta para crearlo consistía en una bolsa de huesos, esperma, fragmentos de piel y pelo de cualquier animal del que el homúnculo sería un híbrido. Todo esto había de enterrarse rodeado de estiércol de caballo durante cuarenta días, tiempo en el cual el embrión estaría formado.

Hay también variantes citadas por otros alquimistas. Una de ellas implicaba usar mandrágora. Las creencias populares sostenían que esta planta crecía donde el semen a veces eyaculado por los ahorcados (durante las últimas convulsiones antes de la muerte) caía al suelo, y sus raíces tiene una forma vagamente parecida hasta cierto punto a un ser humano. La raíz había de ser recogida antes del amanecer de una mañana de viernes por un perro negro, siendo entonces lavada y «alimentada» con leche y miel y, en algunas recetas, sangre, con lo cual se terminaría de desarrollarse en un humano en miniatura que guardaría y protegería a su dueño. Aún un tercer método, citado por el Doctor David Christianus en la Universidad de Giessen durante el siglo XVIII, era tomar un huevo puesto por una gallina negra, practicar un pequeño agujero en la cáscara, reemplazar una porción de clara del tamaño de una alubia por esperma humano, sellar la abertura con pergamino virgen y enterrar el huevo en estiércol el primer día del ciclo lunar de marzo. Tras treinta días surgiría del huevo un humanoide en miniatura que ayudaría y protegería a su creador a cambio de una dieta regular de semillas de lavanda y lombrices.

El término homúnculo fue posteriormente usado en la discusión de la concepción y el nacimiento. En 1694, Nicolas Hartsoeker descubrió «animalúnculos» en el esperma de humanos y otros animales. La escasa resolución de aquellos primeros microscopios hizo parecer que la cabeza del espermatozoide era un hombre completo en miniatura. A raíz de ahí se desataron las teorías que afirmaban que el esperma era de hecho un «hombre pequeño» (homúnculo) que se ponía dentro de una mujer para que creciese hasta ser un niño; éstos llegarían más tarde a ser conocidos como los espermistas. Se pensaba que ya desde Adán estaba enclaustrada toda la humanidad, que se iría transmitiendo a su descendencia. Esta teoría biológica permitía explicar de forma coherente muchos de los misterios de la concepción (por ejemplo, por qué necesita de dos). Sin embargo más tarde se señaló que si el esperma era un homúnculo, idéntico a un adulto en todo salvo en el tamaño, entonces el homúnculo debía tener su propio esperma. Esto llevó a una reducción al absurdo, con una cadena de homúnculos «siempre hacia abajo».

Por su parte Goethe también popularizó el término, ya que denominó homunculus al pequeño ser que creó el antiguo alumno de Fausto; Wagner, mediante operaciones quirúrgicas.

Actualmente el término se usa de determinadas formas para describir sistemas que se cree que funcionan gracias a los «hombrecillos» de su interior. Por ejemplo, el homúnculo sigue siendo una de las principales teorías sobre el origen de la consciencia, que afirma que es una parte (o proceso) del cerebro cuyo cometido es ser «tú». El homúnculo se cita con frecuencia también en la cibernética, por razones similares.

Los homúnculos sensorial y motor

El término homúnculo se usa también comúnmente para describir una figura humana distorsionada dibujada para reflejar el espacio sensorial relativo que nuestras partes corporales representan en la corteza cerebral. Los labios, manos, pies y órganos sexuales son considerablemente más sensibles que otras partes del cuerpo, por lo que el homúnculo tiene labios, manos y genitales extremadamente grandes.

El Dr. Wilder Penfield usaba una imagen parecida para representar el cuerpo según la superficie del córtex motor que las controlaba en movimiento voluntario. A veces visto como un mapa cerebral del cuerpo, el homúnculo motor es en realidad un mapa de la asociación proporcional del córtex con los miembros del cuerpo. También refleja la propiocepción cinestésica, es decir, cómo se siente el cuerpo al moverse. Desempeña un papel principal en el fenómeno de los miembros fantasmas y su opuesto, la desaparición de miembros corporales de la percepción consciente presente en ciertas lesiones cerebrales. Por ejemplo el pulgar, que se usa en miles de actividades complejas, aparece mucho más grande que el muslo, que tiene un movimiento relativamente simple. El homúnculo motor evoluciona con la edad y difiere de una persona a otra. La mano en el cerebro de un infante es diferente a la mano en el cerebro de un pianista. Este tipo de diferencias está abierto a introspección. Probablemente puedas flexionar y extender sólo la punta de tu pulgar a voluntad. La mayoría de la gente puede hacer esto con bastante facilidad, pero relativamente poca gente puede hacer movimientos análogos con el resto de los dedos. La diferencia se debe a las variaciones en la organización funcional de las áreas del cerebro relacionadas.

Véase también: Homúnculo cortical

El razonamiento del homúnculo en la filosofía de la mente

En la medida que el razonamiento del homúnculo explica un fenómeno en términos del propio fenómeno que se supone que explica (Richard Gregory, 1987) cae con frecuencia en el paralogismo y en el dialelo. Aunque no todas las teorías que recurren a homúnculos merecen ser rechazadas, generalmente los razonamientos del homúnculo suelen ser falaces, sobre todo si se les atribuye a los hombrecillos la realización de tareas complejas. En la psicología y la filosofía de la mente los razonamientos del homúnculo son extremadamente útiles para detectar los puntos en los que las teorías sobre la mente fallan o son incompletas.

Los razonamientos del homúnculo son frecuentes en la teoría de la visión. Considere a una persona viendo una película. Ésta ve las imágenes como algo ajeno a ella, proyectado en una pantalla. ¿Cómo puede ocurrir esto? Una teoría simple podría proponer que la luz de la pantalla forma una imagen en las retinas de los ojos y que algo en el cerebro la ve como si estuviesen en la pantalla. El razonamiento del homúnculo indica que esto no es una explicación completa porque todo lo que propone es situar a una nueva persona u homúnculo detrás del ojo, mirando a la retina. Una teoría más sofisticada podría proponer que las imágenes en las retinas son transmitidas al córtex visual donde son procesadas. De nuevo, esto no puede ser una explicación completa porque todo lo que propone es situar al homúnculo en el cerebro, tras el córtex. En la teoría de la visión el razonamiento del homúnculo invalida las teorías que no explican la «proyección», la experiencia que separa el punto de vista de las cosas que se ven. (Adaptado de Gregory, 1987/1990.)

Un razonamiento del homúnculo debe formularse de tal forma que la conclusión sea siempre que si se necesita un homúnculo, entonces la teoría está equivocada. Al fin y al cabo, los homúnculos no existen.

Muy pocas personas propondrían que realmente hay un hombrecillo en el cerebro examinando la actividad cerebral. Sin embargo, estas propuestas se han hecho, como en las teorías del «hombre de paja» sobre la mente. Gilbert Ryle (1949) propuso que la mente humana se reconoce por sus actos inteligentes (véase la regresión de Ryle). Ryle arguyó que si hay un ser interior dentro del cerebro que dirigiera sus propios pensamientos entonces esto llevaría a un ciclo repetitivo absurdo o regresión antes de que un pensamiento pudiera darse:

Según la leyenda, cada vez que un agente hace algo inteligente, su acto va precedido y es dirigido por otro acto interno de considerar una proposición regulativa apropiada a su problema práctico.

[...] Debemos afirmar entonces que para las reflexiones [del agente] sobre cómo actuar inteligentemente, ¿éste debe primero reflexionar sobre cómo reflexionar correctamente sobre cómo actuar? La infinitud de esta regresión implícita muestra que la aplicación de la adecuabilidad no supone la ocurrencia de un proceso de contemplación de este criterio.

El razonamiento del homúnculo y el argumento de la regresión suelen ser considerados iguales pero no es así. El razonamiento del homúnculo afirma que si se necesita un hombrecillo para completar una teoría entonces ésta es errónea. El argumento de la regresión afirma que un agente inteligente necesitaría pensar antes de poder tener un pensamiento.

Si el razonamiento del homúnculo se aplica al problema del agente inteligente se obtiene un resultado sutilmente diferente del argumento de la regresión. El razonamiento del homúnculo aplicado a la teoría de Ryle sería expresado en términos de si la cualidad mental de «reflexionar sobre cosas internamente» puede ser explicada por la teoría de que la mente consiste en «actos inteligentes» sin la necesidad de un homúnculo. La respuesta, proporcionada por la propia lógica de Ryle, es que la reflexión interna necesitaría al homúnculo para evitar que se convirtiera en una regresión infinita. Por tanto con estas suposiciones el razonamiento del homúnculo no apoya la teoría de que la mente se deba completamente a los actos inteligentes.

El ejemplo de la teoría de Ryle demuestra otro aspecto del razonamiento del homúnculo en el que es posible atribuir a la mente diversas propiedades tales como una «reflexión interna» que no son universalmente aceptadas y usarlas argumentativamente para declarar que una teoría sobre la mente no es válida.

Referencias culturales

Literatura

Los homúnculos aparecen en la literatura durante varios siglos:

En La vida y opiniones del caballero Tristram Shandy de Laurence Sterne (volumen I, capítulo II) hay una referencia al homúnculo: «[...] los espíritus animales, cuya responsabilidad era escoltar e ir mano a mano con el homúnculo y guiarlo seguro hasta el lugar designado para su recepción.»
En El péndulo de Foucault de Umberto Eco hay varias referencias a los homúnculos, especialmente detalladas en el capítulo que trata sobre los ritos druídicos llevados a cabo en una fiesta en el castillo de un rico rosacruciano. Tras efectuar una serie de actos ocultos sensualmente estimulantes para una pequeña audiencia, varios homúnculos parecen ser creados, siendo incapaz de decidir el protagonista Casaubon si son de cera o auténticos.
En la segunda parte de Fausto, el dramaturgo alemán Goethe hace que el famoso mago cree un homúnculo, quien mantiene entonces largas convesaciones con su creador y con Mefistófeles.
En su estudio original sobre la novela de la inglesa Mary Shelley Frankenstein, el Profesor Radu Florescu señala que el padre de Shelley, William Godwin, y su marido, Percy Bysshe Shelley, estaban bastante familiarizado con la vida y obra de alquimistas como Paracelso y otros. Florescu también sugiere que Konrad Dippel, un alquimista nacido en el Castillo Frankenstein de quien cree que puede haber sido la inspiración para el Doctor Frankenstein, fue un estudiante del Doctor David Christianus.
El escritor alemán de terror Hanns Heinz Ewers usó la receta de la mandrágora para crear un homúnculo como inspiración para su novela de 1911 Alraune, en la que una prostituta queda embarazada del semen de un asesino ahorcado para crear una mujer desprovista de moral y conciencia. Se ha hecho varias adaptaciones cinematográficas de Alraune a lo largo de los años, siendo la más reciente de Erich von Stroheim en 1952. La película de 1995 Species también parece inspirarse en parte en esta variante de la leyenda del homúnculo.
En la obra de 1908 del novelista inglés W. Somerset Maugham El mago, Oliver Haddo, un personaje basado en el ocultista británico Aleister Crowley, está obsesionado con la creación del homúnculo.
El autor estadounidense David H. Kellner escribió dos obras en la que aparecen homúnculos. Una era una historia corta, Un homúnculo del siglo XX, publicada en Amazing Stories en 1930, que describía la creación de homúnculos a escala industrial por parte de una pareja de misóginos. En la otra, una novela titulada El homúnculo, publicada en 1949 por Prime Press de Filadelfia, el coronel retirado Horatio Bumble creaba dicho ser.

Cine y televisión

El homúnculo también ha sido un tema popular en las películas desde hace tiempo, empezando con la serie alemana de 1916 de seis episodios Homunculus.
En la película de terror clásica La novia de Frankenstein el viejo profesor del Doctor Frankenstein, el Doctor Praetorius, le enseña sus propias creaciones, una serie de diminutos humanoides conservados en tarros, incluyendo un obispo, un rey, una reina, una bailarina, una sirena y un diablo. Se da claramente a entender que éstos son tipos de homúnculos, basados en las criaturas descritas en Esfinge de Emil Besitzny y en Vida de Paracelso de Franz Hartmann.
En la película estadounidense El viaje fantástico de Simbad (1974) el homúnculo es retratado como una criatura alada en miniatura parecida a una gárgola, que resulta ser la némesis de Simbad.
En diversas obras de fantasía y ciencia ficción, el término «homúnculo» describe a cualquier humano o criatura humana o humanoide creada por el hombre mediante alquimia o magia.
En la historia de Full Metal Alchemist,en su versión anime, un homúnculo es el resultado de una transmutación humana fallida (intentar revivir a un muerto sin éxito). En el manga son seres creados desde cero usando La Piedra Filosofal.

En un episodio de Humanoid Monster Bem, aparecen dos homúnculos que a los 5 años de vida mueren. También, en éste anime se menciona que los 3 monstruos fueron creados con alquimia
También en la serie de televisión Los padrinos mágicos(The Fairly OddParents)aparecen una serie de hombrecitos pequeños que supuestamente controlan el cerebro y los sentimientos humanos.
En la serie de televisión "The Big Bang Theory", Sheldon llama a Leonard homúnculo.

Videojuegos

El personaje A.B.A de la serie de juegos de lucha Guilty Gear es considerada un homúnculo, pues fue una forma de vida artificial creada por un científico.

Véase también

Referencias

Florescu, Radu (1975): In Search of Frankenstein. Warner Books, Nueva York.
Gregory, R.L. (1990): Eye and Brain: The Psychology of Seeing. Oxford University Press Inc., Nueva York.
Gregory, R.L. (1987): The Oxford Companion to Mind. Oxford University Press.
Maconius, S. (1980): Lore of the Homunculus. N.p.: Red Lion Publications.
Ryle, G. (1949): The Concept of Mind. The University of Chicago Press.
Waite, A. E., editor (1967): The Hermetic and Alchemical Writings of Paracelsus the Great. New Hyde Park, Nueva York: University Books (2 tomos).

ATHANASIUS KIRCHER

2010-02-16T15:31:00.000-08:00

Atanasio Kircher
Pintura de Athanasius Kircher (1602-1680) realizada por Cornelius Bloemart (1603-1680) e incluida en su obra de 1664 Mundus Subterraneus
Nacimiento	2 de mayo de 1601 o 1602 Geisa, Abadía de Fulda, Alemania
Fallecimiento	27 o 28 de noviembre de 1680 Roma
Nacionalidad	Alemana

Athanasius Kircher (n. 2 de mayo de 1601 o 1602, en Geisa, Abadía de Fulda, Alemania - † 27 o 28 de noviembre de 1680, en Roma) fue sacerdote jesuita, políglota, erudito, estudioso orientalista, de espíritu enciclopédico y uno de los científicos más importantes de la época barroca.

Formación

Era hijo del filósofo Johannes Kircher, un doctor en teología por la Universidad de Maguncia que no llegó a ordenarse. Johannes hizo que sus seis hijos (tres varones y tres mujeres) ingresaran en diversas órdenes religiosas porque la familia era demasiado pobre como para costearles los estudios. Inteligente y capaz, Athanasius desarrolló una impresioante carrera intelectual mientras le rodeaba el convulso ambiente de la Guerra de los Treinta Años. Empezó estudiando humanidades en el colegio jesuita de Fulda e ingresó a los dieciséis años, el 2 de octubre de 1618, en el seminario jesuita de Paderborn, destacando en ciencias naturales y lenguas clásicas; en 1628 fue ordenado sacerdote de la Compañía de Jesús; allí fue donde aprendió griego y hebreo a la perfección y profundizó sus estudios de humanidades, ciencias naturales y matemáticas, complementándolos con filosofía en Colonia.

En 1623, en Coblenza, enseñó griego, mientras que alcanzó lo que hoy llamaríamos un posgrado en lenguas en Heiligenstadt: al tiempo de ordenarse sacerdote se había doctorado ya en Teología. Viajó por Europa hasta instalarse en Roma (1635), de la que ya no se movería hasta su muerte, con la excepción de un importante viaje a Nápoles, Sicilia y Malta a fin de estudiar el vulcanismo. En 1638 estudió el Estrecho de Mesina, donde atrajo su atención el ruido subterráneo. En Trapani y Palermo estudió los fósiles de "elefantes antediluvianos" o mamuts. Estudió las erupciones del Etna y del Stromboli y la terrible erupción del Vesubio en 1630 y cuando preparaba su vuelta a Nápoles le sorprendió el terrible terremoto que destruyó la ciudad de Euphemia. Como el mismísimo Plinio el Viejo el año 79 d. C., descendió con una cuerda al cráter del Vesubio para determinar las dimensiones exactas del mismo y su estructura interna. Todos estos trabajos dieron lugar a su obra El mundo subterráneo (1664 - 1665). Además del vulcanismo, investigó el magnetismo, la luz y los fenómenos a ellos asociados (la piedra imán, el ojo, la óptica, las lentes, los espejos, la refracción, la linterna mágica...) Inventó el modelo que se considera más perfecto de esta última máquina, así como el arpa eolia, un instrumento musical de cuerda que sonaba solo con el paso de las corrientes de aire. Consiste en una caja de resonancia rectangular, larga y angosta sobre la cual se extienden doce cuerdas de nylon para guitarra (cuatro de la nota sol, cuatro de la nota si y cuatro de la nota mi). Se fijan a clavos sin cabeza en un extremo y a pasadores de afinamiento en el otro y se sitúa en una ventana para que al fluir una corriente de aire fuerte sobre las cuerdas produzca un sonido etéreo que varía sus tonos musicales con la intensidad del viento, a la manera del rey David, quien situaba el arpa a la cabecera de su cama para obtener este resultado.

Sus investigaciones científicas

Aficionado a la ciencia, inventor y coleccionista se le considera un erudito en diversos campos del saber en los que publicó diversos tratados: el estudio del chino, la escritura universal (Novum hoc inventum quo omnia mundi idiomata ad unum reducuntur, 1660) o el arte de cómo pensar. Una de sus invenciones fue la máquina de movimiento perpetuo, la cual por medio de imanes conseguía el movimiento eterno de una flecha de hierro situada en el centro del artefacto.

Destacó por su estudio sobre la lengua copta y su aplicación al desciframiento de los jeroglíficos egipcios, campo en el que pese a que se le consideraba un experto no logró ningún resultado válido.

Su fama como "experto" en jeroglíficos movería a uno de los primeros propietarios del Manuscrito Voynich, Georgius Barschius, a pensar en él como el único capaz de interpretar sus extraños caracteres: le escribió una carta, en 1637, en la que le pedía estudiara el texto y tratara de hallar una solución al problema; esta primera carta se ha perdido pero no parece que Kircher le haya dado ninguna importancia u obtenido algún resultado digno de mención.

Aún esperanzado en que podría interesarle el tema, Baresch volvió a escribir al erudito dos años más tarde: esta segunda carta (1639) reitera el pedido de que se ocupara del manuscrito, que él le remitiría aprovechando el viaje de algunos religiosos amigos de Baresch desde Praga hasta Roma (donde estaba Kircher); tampoco hubo respuesta a este segundo llamamiento.

Años más tarde Johannes Marcus Marci (1665 ó 1666) le remitió el Manuscrito Voynich, para que intentase descifrarlo, junto con una carta en la que le explicaba su oscuro origen y decía, de paso, que parecía haber sido escrito por Roger Bacon: no consta que obtuviese resultado alguno en esta tarea por lo que depositó el manuscrito en la biblioteca jesuita de donde pasó (años más tarde) a la Biblioteca Vaticana y desde de la cual, en la década de 1870, se trasladó a la de Villa Mondragone, cerca de Frascati, en donde lo encontró y compró Voynich en 1912.

En su obra del año 1671 Ars magna lucis et umbrae describe varios artilugios relacionados con la luz y las sombras, entre ellos varios diseños fantásticos de Relojes solares. Es una de las muchas contribuciones del siglo XVII a la Gnomónica.

Obra

Musurgia universalis (1650).

La obra escrita de A. Kircher es muy prolífica y consta de 44 Volúmenes. Algunos de ellos se pueden ver en esta lista ordenada cronológicamente:

1631 Ars Magnesia
1635 Primitiae gnomoniciae catroptricae
1636 Prodromus Coptus sive Ægyptiacus
1637 Specula Melitensis encyclica, hoc est syntagma novum instrumentorum physico- mathematicorum
1641 Magnes sive de arte magnética
1643 Lingua Ægyptiaca restituta
1645–1646 Ars Magna Lucis et umbrae in mundo
1650 Obeliscus Pamphilius
1650 Musurgia universalis, sive ars magna consoni et dissoni
1652–1655 Œdipus Ægyptiacus
1656 Itinerarium extaticum s. opificium coeleste
1657 Iter extaticum secundum, mundi subterranei prodromus
1658 Scrutinium Physico-Medicum Contagiosae Luis, quae dicitur Pestis
1660 Pantometrum Kircherianum... explicatum a G. Schotto
1661 Diatribe de prodigiosis crucibus
1663 Polygraphia, seu artificium linguarium quo cum omnibus mundi populis poterit quis respondere
1664–1678 Mundus subterraneus, quo universae denique naturae divitiae
1665 Historia Eustachio-Mariana
1665 Arithmologia sive de abditis Numerorum mysteriis
1666 Obelisci Ægyptiaci... interpretatio hieroglyphica
1667 China Monumentis, qua sacris qua profanis
1667 Magneticum naturae regnum sive disceptatio physiologica
1668 Organum mathematicum
1669 Principis Cristiani archetypon politicum
1669 Latium
1669 Ars magna sciendi sive combinatorica
1670 La Chine [...] illustrée de plusieurs monuments tant sacrés que profanes [...]
1671 Ars magna lucis et umbrae
1673 Phonurgia nova, sive conjugium mechanico-physicum artis & natvrae paranympha phonosophia concinnatum
1675 Arca Noë
1676 Sphinx mystagoga
1676 Obelisci Ægyptiaci
1679 Musaeum Collegii Romani Societatis Jesu
1679 Turris Babel sive Archontologia
1679 Tariffa Kircheriana sive mensa Pathagorica expansa
1680 Physiologia Kicheriana experimentalis

Referencias

Breve ensayo sobre el Manuscrito Voynich. Francisco Violat Bordonau, Ed. Asesores Astronómicos Cacereños, Cáceres, 2005 (disponible en Internet, Web Casanchi: Matemáticas/Criptografía).

Sobre el posible autor del Manuscrito Voynich. Francisco Violat Bordonau, Ed. Asesores Astronómicos Cacereños, Cáceres, 2005 (disponible en Internet, Web Casanchi: Matemáticas/Criptografía).

El ABC del Manuscrito Voynich. Francisco Violat Bordonau, Ed. Asesores Astronómicos Cacereños, Cáceres, 2006.

L'autobiographie d'Athanasius Kircher. L'écriture d'un jésuite entre vérité et invention au seuil de l'œuvre. Introduction et traduction française et italienne, Giunia Totaro, Bern: Peter Lang 2009, p. 430 ISBN 978-3-03911-793-2.

H-P-LOVECRAFT

2010-02-06T07:18:00.000-08:00

Howard Phillips Lovecraft

Howard Phillips Lovecraft
Nombre	Howard Phillips Lovecraft
Nacimiento	20 de agosto de 1890 Providence (Rhode Island), Estados Unidos
Defunción	15 de marzo de 1937 Providence (Rhode Island), Estados Unidos
Ocupación	Escritor
Nacionalidad	estadounidense
Período	1917-1937
Género	Terror, Ciencia ficción
Movimientos	Terror Cósmico Materialista, Círculo de Lovecraft
Robert William Chambers, Arthur Machen, Lord Dunsany, Edgar Allan Poe, Robert E. Howard, Clark Ashton Smith

Howard Phillips Lovecraft (Providence, Estados Unidos, 20 de agosto de 1890 – ibídem, 15 de marzo de 1937) fue un escritor estadounidense, autor de novelas y relatos de terror y ciencia ficción. Se le considera un gran innovador del cuento de terror, al que aportó una mitología propia (los mitos de Cthulhu), desarrollada en colaboración con otros autores y aún vigente. Su obra constituye un clásico del terror cósmico materialista, una corriente que se aparta de la temática tradicional del terror sobrenatural (satanismo, fantasmas), incorporando elementos de ciencia ficción (razas alienígenas, viajes en el tiempo, existencia de otras dimensiones). Cultivó también la poesía, el ensayo y la literatura epistolar.

Biografía

Primeros años

Lovecraft con aproximadamente nueve años de edad.

H. P. Lovecraft nació el 20 de agosto de 1890 a las 9 de la mañana en el hogar familiar situado en el Nº 194 (hoy 454) de Angell Street, en Providence, capital del estado de Rhode Island, el más pequeño de los Estados Unidos de América y uno de los seis que componen la región de Nueva Inglaterra. La casa fue derribada en 1961.

Howard Phillips Lovecraft era el hijo único de Winfield Scott Lovecraft (1853-1898) - representante de ventas de la Gorham Silver Company, dedicada al comercio de la plata, metales preciosos y joyería - y de Sarah Susan Phillips Lovecraft (1857-1921), la segunda de cuatro hijos de Whipple Van Buren Phillips y Rhoby Alzada Place. Para ambos fue su primer matrimonio, ya habiendo cumplido los 30 años.

Lovecraft procedía de unos ancestros distinguidos: en cuanto a su línea materna, los Phillips, se podría rastrear su linaje casi hasta el "Mayflower", ya que los antepasados de su madre se podrían rastrear hasta la llegada de George Phillips a Massachusetts en 1630. Cuando Lovecraft visitó algunas de las tierras de sus antepasados al este del estado de Rhode Island, el nombre de Phillips era recordado con cariño y respeto (ver "Selected Letters" 2,81f.); su línea paterna era de origen británico y Lovecraft pudo rastrear su apellido (Lovecraft o Lovecroft) hasta el siglo XV.

A Howard, el pequeño Lovecraft, le gustaba frecuentar parajes extraños y apartados para poder dar rienda suelta a su desbordante imaginación. En esos sitios (cuevas, arboledas alejadas, etc.) recreaba situaciones históricas o se ensimismaba en la observación de pequeños detalles que, para el resto de las personas, pasaban inadvertidos, pero que a Lovecraft le fascinaban; como detenerse a escuchar a las hadas del bosque, o imaginar lo que podría existir en el espacio exterior. Quizás una de las razones por las que le gustaba tanto evadirse era por la estricta atadura a la que lo sometía su madre, diciéndole que él no debía jugar con niños de menor categoría, o insistiendo en que era feo y que nunca llegaría a triunfar.

Cuando Lovecraft tenía tres años, su padre sufrió una crisis nerviosa en la habitación de un hotel de Chicago, donde se encontraba alojado por motivos de trabajo, y le ingresaron en el Butler Hospital, Centro Psiquiátrico de Providence y fue incapacitado legalmente debido a una serie de trastornos de índole neurológica. A partir de ese momento y durante los siguientes cinco años, estuvo ingresado en varias ocasiones en este hospital, donde murió el 19 de julio de 1898 con el diagnóstico de paresia general, una fase terminal de la neurosífilis. Aunque algunos biógrafos afirman que al niño Lovecraft le informaron de que su padre estaba paralizado y en estado comatoso durante ese período, todas las evidencias parecen demostrar que no fue así.

Con la muerte del padre de Lovecraft, la educación del niño recayó sobre su madre, sus dos tías (Lillian Delora Phillips y Annie Emeline Phillips) y en especial en su abuelo materno, un importante empresario llamado Whipple Van Buren Phillips. Todos residían en la casa familiar.

Lovecraft fue un niño prodigio: recitaba poesía a los dos años, leía a los tres y empezó a escribir a los seis o siete años de edad. Uno de los géneros que más le apasionó en su infancia fue el de las novelas policíacas, llevándolo incluso a formar la "Agencia de detectives de Providence" a la edad de 13 años. A los quince creó su primera obra, La bestia en la cueva, imitación de los cuentos de horror góticos. A los 16 escribía una columna de astronomía para el "Providence Tribune".

Su abuelo materno lo alentaba a la lectura, y siendo ésta una de sus aficiones favoritas, no tardó en descubrir la inmensa biblioteca de su abuelo. En ella descubrió (con un ejemplar de La Ilíada para niños entre las manos) el paganismo grecolatino y Las mil y una noches, a una edad muy temprana, aunque posteriormente (a los cinco años) se declaró ateo, convicción que mantuvo hasta su muerte. Esto ayudó a que su imaginación se desarrollase rápidamente en comparación con el resto de los chicos de su edad, produciéndole una falta de adaptación con éstos. Cuando ellos querían jugar con espadas o a juegos fundamentalmente físicos, él prefería llevar a cabo entretenimientos más pausados e imaginativos, como representaciones históricas.

Debido a su falta de perseverancia y de salud, no asistió al colegio hasta los ocho años y tuvo que dejarlo después de un año. Durante su absentismo escolar, leía con voracidad. Adquirió conocimientos de química y astronomía, llegando incluso a escribir en algunas revistas científicas. Publicó varias revistas de circulación limitada, comenzando en 1899 con La Gaceta Científica. Cuatro años después, regresó a la escuela pública "Hope Street High School", donde cursó dos años y medio en la educación secundaria, hasta que abandonó definitivamente los estudios.

Phillips Whipple, abuelo de Lovecraft.

En 1904, fallece su abuelo materno, Phillips Whipple Van Buren, afectando sobremanera al joven Lovecraft, de 14 años de edad. La mala gestión de las propiedades y del dinero familiar dejó a su familia en tan malas condiciones económicas que se vieron obligados a mudarse al número 598 (hoy un dúplex en 598-600) de Angell Street. Lovecraft quedó tan afectado por la pérdida de su abuelo y la casa que le vio nacer, que consideró el suicidio durante un tiempo. En 1908, antes de su graduación, sufrió un colapso nervioso y no recibió su diploma. S. T. Joshi, biógrafo de Lovecraft, sugiere que este colapso pudo deberse a sus dificultades con las matemáticas, una materia que necesitaba dominar para convertirse en astrónomo profesional. Este fracaso en su educación (él quería estudiar en la Universidad de Brown) fue una fuente de desilusión y vergüenza hasta el final de sus días.

Aunque su mentalidad respondía a un racionalismo empirista, a Lovecraft le atraía la literatura imaginativa, seguramente influido por su escepticismo; encerrado en el pesimismo de la soledad y considerando que «el pensamiento humano es el espectáculo más divertido y más desalentador de la Tierra».

Lovecraft escribió algunos relatos de ficción, pero desde 1908 hasta 1913, principalmente trató la poesía, mientras vivía como un ermitaño y teniendo apenas contacto con el mundo exterior, a excepción de su madre. Esta situación cambió al escribir una carta a la revista Argosy, quejándose sobre lo insípido de las historias de amor de uno de los escritores más populares de la publicación, Fred Jackson. El debate entre los defensores de Jackson y Lovecraft en la columna de opinión llamó la atención de Edward F. Daas, presidente de la UAPA, que invitó a Lovecraft a unirse a ellos en 1914. La UAPA infundió un nuevo vigor a Lovecraft y le incitó a contribuir con sus poemas y ensayos. Un tiempo después, se convirtió en presidente de la UAPA, e incluso llegó a ser presidente de la NAPA, la rival de la UAPA. En 1917, a petición de algunos amigos, volvió a la ficción con historias mucho más pulidas, como La tumba y Dagon. Ésta última fue su primer trabajo publicado de forma profesional, apareciendo en Weird Tales en 1923. Sobre esta época, comenzó a formarse una enorme red de admiradores, entre los que se encontraban Robert Bloch, Clark Ashton Smith y Robert E. Howard, creador este último de Conan el Bárbaro. La extensión y frecuencia de sus cartas, le harían uno de los más grandes escritores de su siglo.^{[cita requerida]}

A diferencia de los mínimos efectos producidos en el niño Lovecraft por la muerte de su padre, en 1921 tuvo lugar la muerte de su madre, que le supuso una fuerte conmoción. Ocurrió después de una larga enfermedad, que algunos biógrafos suelen relacionar con la sífilis de su padre, aunque en cualquier caso la realidad es que la causa inmediata de la muerte fue un post-operatorio deficiente después de una intervención quirúrgica de vesícula biliar. Fue ingresada en el Butler Hospital, como su marido antes que ella. Durante su ingreso, escribía frecuentemente cartas a Lovecraft, y permanecieron muy unidos hasta su muerte el 21 de mayo de 1921. Lovecraft contaba con 31 años de edad.

Muchos críticos consideran a la madre de Lovecraft la causante de todos los comportamientos peculiares y un tanto extravagantes que Lovecraft mostró durante su existencia. Parece ser que después de la muerte de Winfield (su marido), Sarah descargó todas las frustraciones de una burguesa venida a menos sobre su único hijo, sobreprotegiéndolo hasta límites demenciales y tratándole como si fuera su único bien en la tierra, favoreciendo así el desarrollo de unas determinadas características de personalidad, comunes en estos casos, que condicionarían su patrón conductual mientras vivió; entre otros aspectos destacados, prefiriendo las relaciones humanas con su pequeño entorno que le ofrecía una mayor seguridad antes que con un entorno social más amplio y desconocido que no controlaba debido a ese déficit en habilidades sociales óptimas por falta de aprendizajes adecuados en su infancia y adolescencia.

Boda y Nueva York

Lovecraft y su esposa, Sonia Greene

La muerte de su madre y la pérdida de la riqueza familiar en 1921, le llevaron a abandonar la idea de llevar una vida dedicada a la escritura, obligándolo a trabajar en pequeños encargos, que en la mayoría de las situaciones consistirían en retocar escritos de otros autores, menos dotados para la escritura que él. Gracias a este tipo de trabajos conoció a muchos de los que después formarían el llamado "Círculo de Lovecraft",^[1] entre ellos Robert E. Howard, Clark Ashton Smith, Robert Bloch, Frank Belknap Long, August Derleth y otros más. Para estos escritores y "amigos", Lovecraft presentaba una gran diferencia entre su personalidad a través de las cartas, frente a su forma de ser en persona. Lo definían como entusiasta y generoso, creativo y prodigio de inteligencia... pero también con una faceta racista que no abandonó hasta los últimos meses de su vida.

Unas semanas después de la muerte de su madre, Lovecraft acudió a una convención de periodistas aficionados en Boston, donde conoció a Sonia Greene. Nacida en 1883, tenía ancestros judíos procedentes de Ucrania y era siete años mayor que Lovecraft. Se casaron en 1924, y se mudaron al municipio de Brooklyn, en la ciudad de Nueva York. Las tías de Lovecraft no vieron con buenos ojos esta boda, ya que Sonia era comerciante, propietaria de una tienda de sombreros y empleada en la United Amateur Press Association. Inicialmente Lovecraft quedó embelesado con Nueva York, pero pronto la pareja se vio inmersa en dificultades económicas. Sonia perdió su tienda y su salud comenzó a empeorar. Lovecraft no pudo encontrar un trabajo, por lo que su esposa se mudó a Cleveland para buscar empleo y Lovecraft se quedó en el barrio Red Hook de Brooklyn, donde comenzó a sentir una profunda aversión por la vida neoyorkina.^[2] En efecto, la desalentadora realidad sobre la imposibilidad de mantener un trabajo en un lugar cuya población mayoritaría era inmigrante, entraba en un irreconciliable conflicto con la opinión sobre sí mismo, de ser un privilegiado anglosajón, por lo que su racismo galvanizó hasta el punto del miedo.^[3]

En 1926, Sonia y Lovecraft, todavía viviendo de forma separada, acordaron un divorcio amigable, donde Lovecraft alegó "las grandes divergencias entre ambos y los problemas económicos", aunque nunca se llevó a cabo. Debido al fracaso de su matrimonio, algunos biógrafos han especulado con la posibilidad que Lovecraft fuera asexual, aunque Sonia dijera de él que era un "adecuado y excelente amante"[1].

Regreso a Providence

De vuelta a Providence el 17 de abril de 1927, convivió con sus tías durante los años siguientes, en una "espaciosa y marrón casa de madera victoriana" en la calle Barnes número 10 (la dirección del Dr. Willett en El caso de Charles Dexter Ward) hasta 1933. Allí es en donde se ve superado por la sensación de fracaso que lo rodea, abandonándose a la soledad y la frustración. En esta época disfruta de paseos nocturnos, que repercuten en su hundimiento personal, y crean una esfera invisible de miedos que nunca le permitirán recuperarse, aunque de forma paralela, contribuyen a su máximo esplendor literario. En estos fructíferos años escribe la gran mayoría de sus obras más conocidas, como La llamada de Cthulhu en 1926, En las montañas de la locura en 1931 o El caso de Charles Dexter Ward, principalmente publicadas en la revista Weird Tales.

En estos mismos años visitó a varios anticuarios residentes en Quebec, Nueva Inglaterra, Filadelfia y otros lugares, y siguió manteniendo su enorme correspondencia. Supervisó las carreras y cultivó su amistad con muchos escritores jóvenes, como August Derleth, Donald Wandrei, Robert Bloch y muchos otros, y mostró preocupación con las condiciones políticas y económicas del país. En la gran depresión, mostró su apoyo a Roosevelt y se convirtió en un socialista moderado, mientras continuó estudiando una gran variedad de temas, desde filosofía a literatura o historia de la arquitectura.

Los últimos dos o tres años de su vida fueron muy apurados. A pesar del duro trabajo y de sus esfuerzos como escritor, la pobreza en la que vivía aumentó. En 1932, su querida tía, la señora Clark, murió, y se vio obligado a mudarse a una pequeña y exigua habitación de alquiler con su otra tía, la señora Gamwell en 1933, situada en la calle College 66, detrás de la biblioteca John Hay (La dirección actual de esta casa es "65 Prospect Street"). Además, su íntimo amigo Robert E. Howard se suicidó el 11 de junio de 1936, dejándolo desconcertado y profundamente apenado.

Sus últimas obras fueron incrementando en longitud y complejidad, lo que dificultaba la venta, que llevó a Lovecraft a trabajar de revisor para otros autores, de escritor fantasma, como en "The Mound," "Winged Death," y "El diario de Alonzo Typer", y también en poesía y otros estilos literarios.

Últimos años

En sus últimos años, su naturaleza enfermiza y la desnutrición fueron minando su salud. Su anormal sensibilidad a cualquier temperatura inferior a los 20º se agudizó hasta el punto de que se sentía realmente enfermo a tales temperaturas. Durante el último año de su vida, sus cartas estaban llenas de alusiones a sus malestares y dolencias. A finales de febrero de 1937, cuando contaba con cuarenta y seis años, ingresó en el hospital Jane Brown Memorial, de Providence. Allí murió a primeras horas de la mañana del 15 de marzo de 1937, de cáncer intestinal complicado con la denominada enfermedad de Bright. Aunque actualmente este término no suele utilizarse se refiere a una serie de enfermedades inflamatorias de los riñones. Es decir, parece ser que Lovecraft tuvo una complicación de su enfermedad tumoral intestinal con una grave insuficiencia renal que provocó su fallecimiento. El diagnóstico de su enfermedad tuvo lugar apenas un mes antes de su muerte.

"Yo Soy Providence"

Fue enterrado tres días después en el panteón de su abuelo Phillips en el cementerio de Swan Point; aunque su nombre está inscrito en la columna central, ninguna lápida señala su tumba. Muchos años después de su muerte, en la lápida que le erigió un grupo de aficionados puede leerse una línea tomada de una de sus miles de cartas que escribía a sus corresponsales: "Yo soy Providence". Ocasionalmente, en la lápida escriben otra frase, citada de La llamada de Cthulhu:

"That is not dead which can eternal lie,

And with strange aeons even death may die."

"No está muerto lo que puede yacer eternamente,

y con extraños eones incluso la muerte puede morir.".

Trasfondo del trabajo de Lovecraft

El nombre de Lovecraft es sinónimo de ficción de horror; sus escritos, particularmente los Mitos de Cthulhu, han influido a los autores de ficción a lo largo y ancho del mundo, y podemos encontrar elementos lovecraftianos en novelas, películas, música, cómics y dibujos animados. Por ejemplo, los villanos de Gotham City en Batman son encarcelados en el Asilo Arkham, en Arkham, una invención de Lovecraft. Muchos escritores modernos de terror, como Stephen King, Bentley Little, Joe R. Lansdale, por nombrar a unos pocos, han citado a Lovecraft como una de sus más importantes influencias.

Lovecraft fue un escritor relativamente desconocido en su propia época. Mientras que sus historias se habían hecho un lugar en publicaciones como Weird Tales, mucha gente no conocía su nombre. A pesar de ello, mantenía regularmente correspondencia con otros escritores contemporáneos, como Clark Ashton Smith y August Derleth, gente que se convirtió en buenos amigos suyos, incluso sin haberse nunca conocido en persona. Este nutrido grupo de escritores llegó a conocerse como el "Círculo de Lovecraft", ya que tomaban prestados elementos de las historias de Lovecraft - libros misteriosos con nombres inquietantes, panteones de dioses extraterrestres, como Cthulhu y Azathoth, y lugares como Miskatonic y Arkham - para usarlos en sus propias historias (con la bendición y ánimo de Lovecraft). Se ha sugerido que fueron los esfuerzos del Círculo de Lovecraft - particularmente August Derleth - los que evitaron que el nombre y las historias de Lovecraft desaparecieran completamente en la oscuridad.

Después de la muerte de Lovecraft, el Círculo de Lovecraft siguió contribuyendo a su leyenda. August Derleth fue, probablemente, el más prolífico de todos ellos, ya que amplió y extendió la visión de Lovecraft. Las contribuciones de Derleth han sido controvertidas, ya que mientras Lovecraft nunca consideró a su panteón de dioses extraterrestres más que como parte de la trama argumental, Derleth creó una cosmología completa, con una guerra entre Los Antiguos o Dioses arquetípicos, como Hypnos o Ulthar, y los Dioses Primigenios, como Cthulhu y Nyarlathotep. Además, asoció a los Dioses Primigenios a los cuatro elementos. Algunos fans de Lovecraft no han visto con buenos ojos dichas modificaciones, puesto que parecen contradecir la visión de Lovecraft de un universo desordenado y sin plan, donde los seres menos malevolentes simplemente no se interesaban en la humanidad. La pregunta que todo fan se hace es ¿Hubiera Lovecraft aprobado las extensiones de Derleth? Se dice que Lovecraft era muy comprensivo sobre esta clase de adiciones y modificaciones, por lo que probablemente hubiera dado el visto bueno a Derlerh, pero no lo hubiera adoptado para sus propias historias. Si había un Círculo de Lovecraft, entonces la versión de Derleth sería un añadido interesante, pero no formaría parte del Círculo.

El trabajo de Lovecraft ha sido agrupado en tres categorías por algunos críticos. Mientras que Lovecraft prefirió no referirse a estas categorías él mismo, sí escribió en alguna ocasión: "Existen mis piezas Edgar Allan Poe y mis piezas Dunsany -pero- ¿dónde están mis piezas Lovecraft?^[4]

Historias macabras (c. 1905–1920)
Historias del Ciclo del Sueño (c. 1920–1927)
Los Mitos de Cthulhu / Lovecraft (c. 1925–1935)

Algunos críticos no ven la diferencia entre el Ciclo del Sueño y los Mitos de Cthulhu, frecuentemente señalando el recurrente Necronomicón y los subsiguientes dioses. Una explicación frecuentemente argüida es el que el Ciclo Del Sueño pertenece más a un género de fantasía en tanto que Los Mitos pertenece a la ciencia ficción.

Las pesadillas que sufría Lovecraft le sirvieron de inspiración directa para su trabajo, y es quizás una visión directa de su inconsciente y su simbolismo explica su continuo revuelo y popularidad. Todos estos intereses le llevaron a apreciar de manera especial el trabajo de Edgar Allan Poe, quien influyó fuertemente en sus primeras historias, de atmósfera macabra y ocultos miedos que acechan en la oscuridad. El descubrimiento de Lovecraft de las historias de Edward Plunkett, Lord Dunsany, llevó su literatura a un nuevo nivel, resultando en una serie de fantasías que tomaban lugar en la tierra de los sueños. Fue probablemente la influencia de Arthur Machen, con sus bien construidos cuentos sobre la supervivencia del antiguo mal y de sus creencias místicas en misterios ocultos que yacían detrás de la realidad que finalmente ayudaron a inspirar a Lovecraft a encontrarse a sí mismo a partir de 1923.

Otra inspiración provino de una fuente insospechada: los avances científicos en áreas como la biología, astronomía, geología y física, que reducían al ser humano a algo insignificante, impotente y condenado en un universo mecánico y materialista, un pequeñísimo punto en la vastedad infinita del cosmos. Estas ideas contribuyeron de forma decisiva a un movimiento llamado cosmicismo, y que le dieron a Lovecraft razones de peso para su ateísmo.

Esto lo llevó a un trono oscuro con la creación de lo que es hoy llamado comúnmente el Mito de Cthulhu, un panteón de deidades alienígenas extradimensionales y horrores que se alimentan de la humanidad y que tienen trazos de antiguos mitos y leyendas. El término Mito de Cthulhu fue acogido por el autor August Derleth después de la muerte de Lovecraft. El autor se refería a su mitología artificial como Yog-Sothothery.

Sus historias crearon uno de los elementos de mayor influencia en el género del horror: el Necronomicón, el escrito secreto del árabe Abdul Alhazred. El impacto y la fortaleza del concepto del mito ha llevado a algunos a concluir que Lovecraft basó su trabajo en mitos pre-existentes y en creencias ocultistas. Ediciones apócrifas del Necronomicón también han sido publicadas a través de los años.

Su prosa es anticuada, y frecuentemente usaba vocabulario arcaico u ortografía en desuso, así como adjetivos de extraño uso (gibosa, ciclópeo, atávico) e intentos de transcribir dialectos, que han sido calificados de imprecisos. Su trabajo, al ser Lovecraft un anglófilo, está plasmado de un inglés británico utilizando comúnmente escritura anacrónica.

Lovecraft fue un prolífico escritor de cartas. Durante su vida escribió miles de ellas, aunque no se conoce el número exacto. Una estimación de 100.000 parece ser acertada, como apunta L. Sprague de Camp. En algunas ocasiones las fechaba 200 años antes de la fecha en que habían sido escritas, lo que las databa en la época colonial americana, antes de la Revolución Americana que ofendía su Anglofilia. Explica que, según él, los siglos XVIII y XX habían sido los mejores; el primero siendo el siglo de nobleza y de gracia y el segundo de la ciencia, en tanto que el siglo XIX, en particular la era Victoriana habría sido un error.

Temas

En las historias de Lovecraft se repiten varios temas:

Conocimiento prohibido

En La llamada de Cthulhu, de 1926, Lovecraft escribió:

"No hay en el mundo fortuna mayor, creo, que la incapacidad de la mente humana para relacionar entre sí todo lo que hay en ella. Vivimos en una isla de plácida ignorancia, rodeados por los negros mares de lo infinito, y no es nuestro destino emprender largos viajes. Las ciencias, que siguen sus caminos propios, no han causado mucho daño hasta ahora; pero algún día la unión de esos disociados conocimientos nos abrirá a la realidad, y a la endeble posición que en ella ocupamos, perspectivas tan terribles que enloqueceremos ante la revelación, o huiremos de esa funesta luz, refugiándonos en la seguridad y la paz de una nueva edad de las tinieblas." (Howard Phillips Lovecraft, La llamada de Cthulhu)

Los protagonistas de las historias de Lovecraft siempre son conducidos a la "unión de esos disociados conocimientos", y también así comienzan muchas de sus historias. Cuando tal cosa ocurre, la mente del protagonista o investigador, por lo normal, queda destruida por la abismal enormidad de lo descubierto, al ser incapaz de asimiliar semejante conocimiento. Aquellos que se cruzan con manifestaciones "vivas" de lo incomprensible, se vuelven locos.

Aquellos personajes que intentan hacer uso de este conocimiento, están, invariablemente, condenados. Algunas veces su trabajo atrae la atención de seres malévolos; ocasionalmente, son aniquilados por monstruos de su creación.

Influencias extraterrenas en la humanidad

Cthulhu, una de las creaciones de Lovecraft.

Los seres de los Mitos de Lovecraft a menudo se sirven de humanos. Cthulhu, por ejemplo, es venerado bajo distintos nombres por diferentes cultos alrededor del mundo, como los esquimales de Groenlandia y los practicantes de Vudú de Louisiana ^[5] .

Los adoradores son usados por Lovecraft por motivos narrativos como ayuda en el hilo conductor de la historia. A veces intervienen de forma directa en la acción. La mayoría de los seres de Los Mitos son extremadamente poderosos como para ser derrotados por humanos, y su conocimiento directo significa, normalmente, que la víctima se vuelva loca. Cuando se llega a un acuerdo con ellos, Lovecraft necesita una forma de proveer una estructura dramática para construir el hilo tensor sin llevar la historia a un final prematuro. Los adoradores le ofrecen la forma de revelar información sobre sus "dioses" en pequeñas dosis, y haciendo posible para los protagonistas ganar batallas temporales. Lovecraft, como sus contemporáneos, imaginó "salvajes" cercanos a la Tierra, es decir, en el caso de Lovecraft, cercanos a Cthulhu.

Culpa atávica

Otro tema recurrente en las historias de Lovecraft es la idea de que los descendientes en una línea de sangre nunca pueden escapar de los crímenes cometidos por sus antepasados, si éstos han sido suficientemente atroces. Los descendientes pueden estar alejados en tiempo y en espacio (y, además, en culpabilidad) del acto en sí mismo, pero la sangre se lo revelará (Las ratas en las paredes, El horror oculto, Arthur Jermyn, El alquimista, La sombra sobre Innsmouth y El caso de Charles Dexter Ward).

Un ejemplo de crimen que Lovecraft considera suficientemente atroz para esta clase de consecuencias es el canibalismo (El grabado en la casa y Las ratas en las paredes).

Imposibilidad de escapar del Destino

A menudo, en las historias de Lovecraft, el protagonista es incapaz de controlar sus propias acciones, o encuentra imposible cambiar el curso de los acontecimientos. Muchos de estos personajes escaparían del peligro si simplemente corrieran en dirección opuesta, aunque esta posibilidad nunca surge o es de alguna forma sometida por una entidad externa, como en El color que cayó del cielo. Con frecuencia estos sujetos se encuentran bajo la influencia de algún ser malévolo u otros seres. Con la misma inevitabilidad que el destino del ancestro, huir o suicidarse no proporciona la completa seguridad de escapar (El ser en el umbral, El intruso, El caso de Charles Dexter Ward, etc.) En algunos casos, este destino se manifiesta para toda la humanidad, y no existe escape posible (La sombra del tiempo). En relatos como Los sueños en la Casa de la Bruja, la poética de Lovecraft apunta a la imposibilidad de triunfo de los saberes popular y científico (las leyendas y la ciencia) frente al horror de lo desconocido.

La civilización amenazada

Lovecraft juega a menudo con la idea de la civilización que lucha penosamente contra elementos bárbaros y primitivos. En algunas historias esta lucha es a nivel individual; la mayoría de sus protagonistas poseen una cultura y unos estudios elevados, pero se ven gradualmente corrompidos por una influencia maligna.

En estas historias, la "maldición" es normalmente hereditaria, o por cruzarse con seres no humanos (Hechos tocantes al difunto Arthur Jermyn y su familia en 1920, La sombra sobre Innsmouth en 1931) o a través de cierta influencia mágica (El caso de Charles Dexter Ward). La degradación física y mental aparecen de forma conjunta. El tema de la "sangre corrompida", podría representar la preocupación de Lovecraft respecto la historia de su familia, particularmente la muerte de su padre debido a lo que Lovecraft sospechaba que fue a causa de un desorden sifilítico.

En otras historias, una sociedad al completo es amenazada por la barbarie. A veces, dicho barbarismo es representado por una amenaza externa, con una civilización destruida por la guerra (Polaris). De vez en cuando, un pequeño grupo de gente cae en decadencia y surge espontáneamente un atavismo (El horror oculto). Mucho más frecuentemente, tales historias involucran a una cultura civilizada que es gradualmente socavada por una clase baja marginal, sin educación ni derechos, que se halla influenciada por fuerzas inhumanas.

Racismo

Un componente común y dramático en el trabajo de Lovecraft es asociar la virtud, el intelecto, una clase elevada, civilización, y racionalidad a la etnia anglosajona blanca, que a menudo contrapuso con el corrupto, intelectualmente inferior, incivilizado e irracional, que asoció con gente de clase baja, racialmente impura, y/o no de raza europea, de piel oscura, que frecuentemente eran los villanos en sus historias.

Algunas de sus opiniones racistas más cruentas pueden localizarse en su poesía, particularmente en On the creation of Niggers y New England Fallen (ambas de 1912). En On the creation of Niggers, Lovecraft plasma de una forma muy cruda sus prejuicios, caracterizando explícitamente a la gente negra como sub-humanos:

Idioma original	Traducción
When, long ago, the gods created Earth; In Jove's fair image Man was shaped at birth. The beasts for lesser parts were designed; Yet were too remote from humankind. To fill the gap, and join the rest of Man, Th'Olympian host conceiv'd a clever plan. A beast they wrought, in semi-human figure, Filled it with vice, and called the thing a Nigger.	Cuando tiempo atrás, los dioses crearon la Tierra; A imagen y semejanza de Júpiter al incipiente Hombre moldeaban. Para tareas menores las bestias fueron creadas; Aunque de la especie humana muy alejadas estaban. Para llenar el vacio y unirlas al resto de la Humanidad, Los anfitriones del Olimpo ingeniaron un astuto plan. Una bestia forjarían, una figura semihumana, Colmada de vicios, y "negro", fue llamada.

En “La llamada de Cthulhu”, Lovecraft describe a un grupo mestizo de adoradores de Cthulhu:

Examinados en el cuartel de la policía, luego de un viaje agotador, los prisioneros resultaron ser mestizos de muy baja ralea, y mentalmente débiles. Eran en su mayor parte marineros, y había algunos negros y mulatos, procedentes casi todos de las islas de Cabo Verde, que daban un cierto matiz vudú a aquel culto heterogéneo. Pero no se necesitaron muchas preguntas para comprobar que se trataba de algo más antiguo y profundo que un fetichismo africano. Aunque degradados e ignorantes, los prisioneros se mantuvieron fieles, con sorprendente consistencia, a la idea central de su aborrecible culto..

Lovecraft también expresó en alguna ocasión creencias racistas y etnocéntricas en su cartas personales^[6] En una carta fechada el 23 de enero de 1920, Lovecraft escribió:

Para el hombre evolucionado -- la cumbre del perfeccionamiento orgánico en la Tierra -- ¿Qué rama del pensamiento se ajusta mejor que aquella que conquista las más altas y exclusivas facultades humanas? El salvaje primitivo, o simio, simplemente rebusca en la selva para encontrar una compañera; ¡el ario eminente debe elevar sus ojos a los mundos de más allá y considerar su relación con el infinito!

En Herbert West: Reanimador, Lovecraft describe a un varón africano que acaba de fallecer:

Era un ser repugnante, con pinta de gorila, unos brazos anormalmente largos que me parecían de manera inevitable patas anteriores, y una cara que irremediablemente hacía pensar en los secretos insondables del Congo y las llamadas de tam-tam bajo una luna misteriosa. El cuerpo debió tener peor aspecto en vida, pero el mundo contiene mucha fealdad.^[7]

En El Horror en Red Hook, un personaje es descrito como "un Árabe con una odiosa boca negroide".^[8] En la obra El lazo de Medusa, escrito para Zealia Bishop, la sorpresa final de la historia -- después de revelar que el villano de la historia es una medusa vampírica – es que ella

era débil, y sutilmente, aún a los ojos del genio, el vástago indiscutible de los primeros pobladores de Zimbawbe. No es de extrañar que tuviera un lazo con la anciana bruja Sophonisba... ya que, en una diluida proporción, Marceline era negra."^[9]

En El caso de Charles Dexter Ward, se presenta de forma condescendiente a una pareja africana:

Conocía a la familia negra que habitaba la casa y fue cortésmente invitado a visitar el interior por el viejo Asa y su fornida esposa, Hannah.

En contraste con el propietario, al parecer extranjero::

"...un hombre de facciones ratoniles y acento gutural..."

Los narradores en La calle, Herbert West: Reanimador, El, La llamada de Cthulhu, La sombra sobre Innsmouth, El Horror en Red Hook, y en muchos otras historias, expresan sentimientos que podrían ser considerados hostiles hacia los judíos. Se casó con una mujer ucraniana de ancestros judíos, Sonia Greene, quien más tarde comentó que tenía que recordarle constantemente sus raíces cuando realizaba algún comentario antisemita. "Siempre que nos encontrábamos en las calles de Nueva York, abarrotadas de personas de distintas nacionalidades y credos", escribió Greene después de su divorcio, "Howard venía lívido de la rabia. Parecía que iba a perder la cabeza".^[10]

Hasta cierto punto, las ideas de Lovecraft referentes a la raza reflejaban actitudes comunes en esa época, y particularmente las leyes de segregación racial se hacían cumplir en la mayor parte del territorio estadounidense, y muchos estados promulgaban leyes eugenésicas y prohibiciones en contra del mestizaje, que también eran comunes en áreas no católicas en Europa. Un movimiento popular durante la década de 1920, dio como resultado en una drástica restricción en la inmigración hacia los Estados Unidos, culminando en la Ley de Inmigración de 1924, que ponía de manifiesto testimonios de expertos ante el Congreso de Estados Unidos sobre la amenaza hacia la sociedad americana en la asimilación de “personas de baja cultura” del este y del sur de Europa.

Lovecraft era un Anglófilo confeso, y sostenía que la cultura inglesa era el pináculo comparativo de la civilización, y consideraba a los descendientes de los primeros ingleses en América como una rama de segunda clase, y todos los demás, por debajo de ellos (por ejemplo, su poema An American to Mother England (en inglés)"). Su amor por la historia y la cultura inglesa se ve a menudo reflejada en su trabajo (como la nostalgia del Rey Kuranes por Inglaterra en La búsqueda onírica de la desconocida Kadath).

Las ideas de Lovecraft sobre la eugenesia se extendían a menudo sobre sus personajes de raza blanca. Mostró una mayor simpatía por la raza caucásica y los grupos culturales europeos. El narrador de Aire fresco habla de forma despectiva sobre los pobres hispanos de su vecindario, pero respeta al rico y aristócrata Dr. Muñoz, por sus orígenes celtíberos, y porque es "un hombre de cuna, culto y de buen gusto". Los descendientes degenerados de los inmigrantes holandeses en las Montañas Catskill, "quienes corresponden exactamente con la basura blanca en el sur" (Más allá del muro del sueño, 1919, son elementos comunes. En El Templo, el narrador es una persona en extremo desagradable: un capitán de un U-Boot de la Primera Guerra Mundial cuya fe en su "inquebrantable voluntad germánica" y la superioridad de su patria lo llevan a ametrallar a los supervivientes que se encontraban en botes salvavidas , más tarde, asesina a su propia tripulación, mientras lo ciega la maldición que ha atraído sobre él. De hecho, de acuerdo con Lovecraft: Una biografía, por L. Sprague de Camp, Lovecraft estaba horrizado por los informes de violencia antisemita en Alemania (antes de la Segunda Guerra Mundial, que Lovecraft no viviría para verla), sugiriendo que Lovecraft se oponía a la exterminación de aquellos que consideraba "inferiores".

El racismo de Lovecraft ha sido un foco continuado de interés académico e interpretativo. S. T. Joshi, uno de los primeros eruditos en Lovecraft, observa que "no hay ninguna negación del racismo en Lovecraft, ni puede ser interpretada simplemente como "típico de su época", ya que parece que Lovecraft expresó sus opiniones más pronunciadamente (aunque generalmente no para su publicación) que muchos otros contemporáneos. Es también absurdo negar que el racismo entra en su ficción". [2] en su libro "H.P. Lovecraft: Contra el mundo, contra la vida". Michel Houellebecq defiende que "el odio racial" proporcionaba la fuerza y la inspiración emocional para muchas de las mejores obras de Lovecraft.

El antagonismo racista de Lovecraft es un corolario de su noción nihilistica del determinismo biológico: En las montañas de la locura, donde los exploradores descubren evidencias de una raza totalmente extraterrestre (Antiguos) quienes crearon seres humanos mediante bioingeniería, pero fueron destruidos eventualmente por sus brutales esclavos, los shoggoth. Incluso después de que varios miembros de la expedición mueran a manos de los Antiguos y los Shoggoth, se aprecia cierta simpatía por parte del narrador hacia estos seres:

¡Pobre Lake, pobre Gedney... y pobres Primordiales! Científicos hasta el final. ¿Qué hicieron ellos que no hubiéramos hecho nosotros en su lugar? ¡Santo Dios, qué inteligencia y qué tenacidad! ¡Qué manera de enfrentarse con lo increíble, igual que aquellos parientes y antepasados suyos que se habían enfrentado también con cosas casi igualmente extrañas! Animales radiados, plantas, monstruos, semilla de estrellas, no sé qué habían sido, pero ahora eran hombres.

Estas líneas del pensamiento en la visión del mundo de Lovecraft - racismo y una romántica defensa reaccionaria del orden cultural frente a la degeneración del mundo moderno - han conducido a algunos estudiosos a establecer una afinidad especial con el aristocráta, antimodernista y tradicionalista Julius Evola:

Ciertamente, "La búsqueda onírica de la desconocida Kadath", con su grandiosa representación de su ciudad, Onyx, irradia el fresco y elegante espíritu de la Tradición, que entra en contraposición a la que en muchas historias es el pozo de la decadencia, Innsmouth, cuya endogámica población es compuesta en parte por los vástagos de la concepción contranatura de lujuriosos marineros con monstruos marinos; la fuerza negativa de la Tradición. La eterna lucha entre la titánica fuerza de la luz y las telúricas fuerzas del caos, es reflejada en su trabajo y en su racismo"^[11]

Las mujeres

Las mujeres en la obra de Lovecraft son raras, y no son ni compasivas ni comprensivas ni amables. Los pocos personajes femeninos en sus historias, - como Asenath White (si bien de hecho era un perverso hechicero que se había apoderado del cuerpo de una inocente chica) en El ser en el umbral y Lavinia Whateley en El horror de Dunwich - son, de forma invariable, sirvientas de las fuerzas del mal. El romance se encuentra casi ausente de sus historias; cuando aparece el amor, es normalmente de forma platónica (El árbol). Sus personajes viven en un mundo donde la sexualidad tiene connotaciones negativas - si es reproductiva, suele dar nacimientos de seres sub-humanos El horror de Dunwich -. En este contexto, puede ser de ayuda prestar atención a la escala del horror de Lovecraft, que es frecuentemente descrito por "horror cósmico". Operando a escalas cósmicas, tal y como operan estas historias, asignan a la humanidad un rol insignificante, por lo que no es a la sexualidad femenina lo que estos relatos niegan su rol positivo y vital, es a la sexualidad humana en general.

Además, Lovecraft sostiene en una carta privada (enviada a una de sus muchas amigas intelectuales) que la discriminación en contra de la mujer es una superstición oriental, de la cual los arios deberían liberarse. Dejando el racismo aparte, la carta parece excluir una misoginia consciente, como de hecho, parece estar descartada de su vida privada.

Riesgos de la ciencia

Al llegar el siglo XX, la dependencia y confianza del ser humano respecto la ciencia fue aumentando significativamente, abriendo nuevos mundos y proporcionando herramientas mediante las cuales se puede comprender mucho mejor el mundo en el que se vive. Lovecraft aprovechaba huecos, lagunas en el conocimiento del universo y las convertía en tenebrosas ciénagas del horror. En la obra El color allende del espacio, se pone de manifiesto la incapacidad de la ciencia para comprender un meteorito, lo que lleva a un paroxismo demencial.

En una carta dirigida a James F. Morton en 1923, Lovecraft define la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein como un lanzamiento del mundo al caos y haciendo del cosmos una broma. En otra carta, escrita en 1929 y dirigida a Harris Woodburn, Lovecraft especula con la comodidad que proporciona la ciencia y el riesgo que supondría que se colapsara. Es más, en una época donde el ser humano veía la ciencia como algo tremendamente poderoso e ilimitado, Lovecraft se dio cuenta de su potencial alternativo y sus tenebrosos resultados.

Obra, filmografía y adaptaciones

Influencia

A partir de los años 60, la obra de Lovecraft, aparte de gozar de adaptaciones más o menos fidedignas al cómic, inspiraría obras originales. Es el caso de Lone Sloane (1966) de la que su autor, Philippe Druillet, diría

es muy lovecraftiano, excepto en que los protagonistas humanos de Lovecraft son siempre vencidos mientras que Lone Sloane sale siempre bien librado. Aparentemente es pasivo, pero es él quien en realidad conduce el juego.^[12]

Otras muchas obras, como Tales Of Peter Hypnos (1975-76) de Josep María Beà, también se muestran deudoras de la obra del escritor de Providence.^[13]

Véase también

Referencias

↑ Reseña del Círculo de Lovecraft en la revista virtual "Quinta Dimensión"
↑ Esta situación tiene un paralelismo muy cercano con la obra semiautobiográfica "Él", como mostró Michel Houellebecq en H. P. Lovecraft: Contra el mundo, contra la vida
↑ H. P. Lovecraft: Contra el mundo, contra la vida, Michel Houellebecq
↑ Carta a Elizabeth Toldridge, 8 de marzo de 1929, citado en Lovecraft: A Look Behind the Cthulhu Mythos
↑ H.P. Lovecraft, La llamada de Cthulhu , p. 35-36.
↑ Consultar la carta a J. Vernon Shea, 25 de septiembre de 1933, Nº. 648, Selected Letters IV, Arkham House.
↑ H. P. Lovecraft, Herbert West, Reanimator, Dagon y otras historias macabras, p. 146.
↑ H. P. Lovecraft, El Horror en Red Hook, Dagon y otras historias macabras, p. 258.
↑ "El lazo de Medusa", Zealia Bishop y H. P. Lovecraft, El museo de los horrores, editorial EDAF, p 323.
↑ Quoted in Lovecraft, Carter, p. 45.
↑ H. P. Lovecraft - Man and Myth | Martin Schwarz
↑ Philippe Druillet en entrevista con Claude Moliterni para el número trece de la revista "Phénix". Traducción de un extracto de la misma por Antoni Segarra para el número 3 de Totem, Editorial Nueva Frontera, S. A., Madrid, 1977, p. 8.
↑ "Josep María Beà, libador neuronal", entrevista al autor realizada por el Señor Ausente, en Mondo Brutto nº 39, mayo 2008, pp. 85 a 86.

Bibliografía

Lovecraft, H. P., En las montañas de la locura, traducción de Francisco Torres Oliver; Colección El Club Diógenes / CD-216. Madrid: Valdemar, 2008. ISBN 978-84-7702-618-1
–, Narrativa completa. Dos volúmenes. Colección Gótica. Madrid: Valdemar, 2005 [2006]/ 2007:

Volumen I, edición de Juan Antonio Molina Foix. Traducción de Juan Antonio Molina Foix, Francisco Torres Oliver y José María Nebreda. Colección Gótica 62. Madrid: Valdemar, 2005 [2ª edición 2006]. ISBN 978-84-7702-529-0
Volumen II, edición de Juan Antonio Molina Foix. Traducción de Francisco Torres Oliver y Juan Antonio Molina Foix. Colección Gótica 63. Madrid: Valdemar, 2007. ISBN 978-84-7702-587-0

–, y otros, Cuentos de los Mitos de Cthulhu. Dos volúmenes. Colección: El Club Diógenes. Madrid: Valdemar, 2007:

Cuentos de los Mitos de Cthulhu 1. Los orígenes, traducción de Francisco Torres Oliver; Colección: El Club Diógenes / CD-249. Madrid: Valdemar, 2007. ISBN 978-84-7702-574-0
Cuentos de los Mitos de Cthulhu 2. El legado, traducción de Francisco Torres Oliver; Colección: El Club Diógenes / CD-250. Madrid: Valdemar, 2007. ISBN 978-84-7702-575-7

–, y otros, Nuevos cuentos de los mitos de Cthulhu, traducción de José Luis Moreno Ruiz; Colección Gótica. Madrid: Valdemar, 2003. ISBN 978-84-7702-437-8
–, El caso de Charles Dexter Ward, traducción de Francisco Torres Oliver; Colección El Club Diógenes. Madrid: Valdemar, 2002. ISBN 978-84-7702-409-5
–, y otros, Cthulhu. Una celebración de los mitos, traducción de Francisco Torres Oliver; Colección Gótica. Madrid: Valdemar, 2001. ISBN 978-84-7702-356-2
–, Hongos de Yuggoth y otros poemas fantásticos, traducción de Juan Antonio Santos & Sonia Tribaldos; Colección El Club Diógenes. Madrid: Valdemar, 1994. ISBN 978-84-7702-110-0

Sobre H. P. Lovecraft

Gómez, Teodoro, Lovecraft. La antología. Barcelona: Océano, 2006. ISBN 84-7556-115-2
Hernández de la Fuente, David, Lovecraft. Una mitología. ELR Ediciones. ISBN 978-84-87607-13-4
Houellebecq, Michel, H.P. Lovecraft. Contra el mundo, contra la vida. Ed. Siruela. ISBN 978-84-7844-950-7
Lupoff, Richard A., El libro de Lovecraft, traducción de Elías Sarhan; Colección Avatares. Madrid: Valdemar, 1992. ISBN 978-84-7702-056-1
Sprague de Camp, L., Lovecraft. Una biografía, traducción de Francisco Torres Oliver; Colección El Club Diógenes [Colección Avatares 1992 Agotada]. Madrid: Valdemar, 2002. ISBN 978-84-7702-402-6

CLONAID

2010-01-23T23:19:00.000-08:00

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Clonaid: ¿Bebés clonados o una farsa?

Desde que la oveja Dolly despertó en todo el mundo un gran interés por la clonación, han corrido ríos de tinta (y de bits) intentando determinar la conveniencia o no de aplicar métodos similares en humanos. Mientras tanto, la empresa Clonaid asegura que desde el 2001 es capaz de clonar humanos, y que lo ha hecho en varias oportunidades.

Mas que menos, todos sabemos cual es el método empleado por los humanos para hacer bebes. Ha funcionado durante millones de años, y resulta efectivo, barato y hasta entretenido. Pero existe otra forma de obtener humanos nuevos, sin necesidad de utilizar la fecundación tal como la conocemos. Ese proceso se conoce como “clonación”.

Contrariamente a lo que se cree, la palabra “clon” es muy antigua. Proviene del término griego con el que se designaba a los retoños, y hoy designa a un individuo genéticamente idéntico a otro, del cual proviene por reproducción asexuada o por reproducción sin fecundación.

Si bien en la naturaleza existen los clones (como los protozoos, organismos unicelulares que se reproducen por mitosis), los seres mas complejos emplean mecanismos de reproducción sexual. Sin embargo, es posible extraer el núcleo de una célula adulta e introducir su el material genético en un óvulo previamente enucleado. Este proceso da vida a un embrión genéticamente idéntico al adulto del que se obtuvo la célula de partida. Puede ser implantado en el útero de una madre portadora y desarrollarse normalmente. Más o menos así es el proceso que en 1997 permitió el nacimiento de la oveja Dolly.

Dolly fue el pistoletazo de partida que inauguró una carrera que daría como resultado el nacimiento de todo un zoológico clónico, formado por cabras, vacas, cerdos, ratones, gallinas y gatos, entre otros. Sin embargo, las legislaciones de casi todos los países del mundo prohíben expresamente la aplicación del método mencionado en humanos. Existe una empresa llamada Clonaid que asegura ser capaz de obtener clones de humanos perfectamente sanos, y que además lo ha hecho en al menos seis oportunidades. Pero... ¿Qué se sabe de Clonaid?

Clonaid es una empresa formada por los Raelianos, que son una secta científico religiosa con sede en Québec (Canadá). Creada por el francés Claude Vorilhon, sus integrantes afirman que los seres humanos fueron clonados por una raza extraterrestre a partir de su propio ácido desoxirribonucleico (ADN). En junio de 1997, pocas semanas después del existo de Dolly, la secta propuso a través de Internet el servicio de clonación de humanos para parejas estériles, al precio de 200.000 dólares.

En ese momento, la comunidad científica no hizo demasiado casi a la afirmación de los Raelianos, al fin y al cabo, clonar a Dolly había supuesto un esfuerzo de años y millones de dólares. Era muy poco probable que Clonaid pudiese elevar la baza. Pero en marzo de 2001 el millonario estadounidense Mark Hunt ofreció financiar el proyecto de Clonaid para obtener un clon de su hijo muerto. Cinco meses más tarde, los voceros de la empresa afirmaron que estaban listos para hacer el trabajo. Pero antes de poder obtener resultados, Hunt se retiró del proyecto aduciendo que la directora de Clonaid, Brigitte Boisselier, lo utilizaba solamente para aparecer en los medios de comunicación.

Esto no amilanó a Clonaid, que el 27 de diciembre de 2002 anunciaba el nacimiento del primer clon humano. Se trataba, según ellos, de una niña llamada Eva. Boisselier prometió someter a la niña a pruebas de ADN para certificar la veracidad de la noticia. Sin embargo, a los pocos días y aduciendo que los padres habían decidido no permitir las pruebas hasta que se les garantice la custodia de la bebé, los análisis fueron suspendidos indefinidamente.

Pero la empresa siguió trabajando. En 2004, Clonaid anunció a la prensa en Sydney (Australia), que había nacido su sexto clon. Se trataba de un varón, nacido el 5 de febrero en un hospital de esa ciudad. Brigitte Boisselier informó que los padres del niño eran infecundos, que el padre fue el donante de las células necesarias para crear al niño y que la madre los gestó en su propio útero. Boisselier también se encargó de aclarar que el bebé, como los otros cinco nacidos antes, gozaba de perfecta salud y que sus reacciones eran completamente normales.

El entonces ministro de Salud Australiano, Tony Abbott, se mostró ligeramente escéptico con las declaraciones de Clonaid. En un párrafo de sus declaraciones a la prensa el ministro se refirió al anuncio de la empresa como “el equivalente médico de las historias sobre objetos voladores no identificados.” Y se encargó de destacar que la clonación es peligrosa, ilegal e inmoral.

Actualmente, y quizás por la falta de pruebas de los resultados obtenidos, la empresa mantiene un perfil bajo que la mantiene bastante alejada de los medios de comunicación. No obstante, en su pagina Web puede leerse que tienen 250 pacientes “en espera” para someterse al proceso de clonación.

En su sitio web puede leerse que la clonación es un método ideal para recuperar seres queridos que ya no están, o para obtener órganos de recambio en caso de ser necesario. También resaltan la utilizad de sus métodos para atacar enfermedades como el Parkinson.

Quizás en 2002, cuando anunciaron el nacimiento de Eva, Clonaid haya gozado de fama y del beneficio de la duda sobre la veracidad o no de sus resultados. Actualmente, y a pesar de los anuncios de nacimientos exitosos, la comunidad científica se muestra cada vez más escéptica. Y la aparición permanente de trabas a la hora de someter a alguno de los niños en cuestión a un análisis de ADN que pueda despejar las dudas sobre su origen ayuda bastante poco a cambiar esta situación. El hecho de que sus directores crean que somos clones de extraterrestres tampoco resulta demasiado serio.

Por lo pronto, si necesitas un clon y tienes los 200 mil dólares disponibles, Clonaid es tu única alternativa de lograrlo.

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27/12/2002
Clonación

Ha nacido el primer ser humano clónico, afirma la empresa Clonaid

La presidenta de la empresa Clonaid, Brigitte Boisselier, y miembro de la secta de los raelianos anunció el pasado día 27, el nacimiento del primer ser humano clonado, supuestamente concebido con éxito con material genético de una mujer de 31 años de edad de nacionalidad estadounidense. La doctora ha advertido que en los próximos meses nacerán otros tres bebés.

Brigitte Boisselier

El supuesto bebé clónico, es una niña que nació por cesárea el jueves, día 26, a las 16.55 GMT, en un lugar que la presidenta de Clonaid, Boisselier, no quiso desvelar. Según la doctora, "Eva", como se le llama al bebé con el fin de ocultar su identidad, pesó al nacer 3,150 kilos y es una copia genética exacta de su madre, una mujer estadounidense de 31 años de edad.

Esta es la única información que Clonaid dio en la multitudinaria rueda de prensa celebrada en un hotel de Hollywood Beach, a uno 40 kilómetros al norte de Miami. Boisselier, que es obispo de la secta liderada por Rael, quien sostiene que los humanos fueron clonados por extraterrestres hace 25.000 años, y la portavoz de Clonaid, Nadine Gary, afirma que los detalles se mantienen en secreto para proteger a la niña y a su familia. La identidad de la madre y del bebé al que se le ha llamado ante la prensa "Eva", se mantienen en secreto.

"Creo que cada padre tiene la opción de elegir al hijo que quieran, inclusive si no tienen ningún problema de fertilidad", dijo Boisselier. "¿Quiénes somos para decirle a los padres qué es lo que deben tener?".

Clonaid que ha concedido los derechos de filmación del parto con una productora estadounidense que está realizando un documental, se ha comprometido a permitir a un grupo de científicos independientes realizar las pruebas de ADN necesarias para constatar que el bebé es una réplica genética, un clon, de su madre. Por el momento, Boissilier no ha presentado ninguna prueba, ni información precisa sobre el proceso seguido para la clonación que ha sido semejante al llevado a cabo en Gran Bretaña con la oveja "Dolly", en 1997.

En cuanto a las cuestiones sobre defectos encontrados en animales clonados, Boisselier se mostró convencida que no son consecuencia de la clonación: "sus razones son absolutamente irracionales cuando hablan de defectos. Siempre olvidan mencionar que son los mismos que se producen con fertilización in vitro, no lo dicen porque tendrían que reconocer que no es un problema con la clonación sino con la reproducción asistida".

Además de los raelianos hay otros grupos que han afirmado intentar activamente la clonación humana, como el caso del médico italiano Severino Antinori, quien en los últimos meses ha dicho en reiteradas ocasiones que hay una mujer en avanzado estado de gestación que espera dar a luz el próximo mes de enero, un bebé clonado. Otro científico, el norteamericano Panos Zavos, afirmó estar también a la carrera para conseguir el primer bebé clonado.

Clonación

¿Futuros nacimientos?
La presidenta de Clonaid ha afirmado que la próxima semana nacerá otro niño clonado en el norte de Europa. Además, nacerán otros tres más a finales de enero o principios de febrero en Estados Unidos y el continente asiático, uno de los cuales será una niña hija de una pareja lesbiana.

Boisselier afirma que después de estos nacimientos Clonaid, que es una empresa con fines de lucro, hará otros 20 nuevos implantes para comenzar a satisfacer "una lista de miles de personas que han recurrido a nuestros servicios".

LOS NAZIS EN ARGENTINA

2010-01-20T06:00:00.000-08:00

En La Falda, fantasmas nazis sobrevuelan el Edén

Un documento del FBI fechado cuatro meses después del suicidio de Hitler alertaba sobre la posibilidad de que el Führer huyera con destino al hotel de sus amigos, el Edén, en Córdoba.

El hotel Edén hoy. Durante la guerra sus dueños -amigos de Hitler- recaudaban dinero para el nazismo.

Sesenta años después de la capitulación del Tercer Reich, firmada el 8 de mayo de 1945, el Hotel Edén de La Falda, uno de los más acabados íconos hitlerianos de Córdoba, espera una licitación milagrosa que lo salve de una vez del abandono en que se encuentra.

Ruinoso y desde hace años a punto de derrumbarse, sus viejas paredes a medio empapelar encierran el prólogo a la historia negra de los nazis llegados a la Argentina al amparo del primer gobierno peronista.

Sus propietarios durante la guerra, Walter e Ida Eichhorn, habían sido amigos personales de Adolf Hitler y algunos de sus oficiales de estado mayor, y el 17 de setiembre de 1945 el FBI norteamericano llamaría la atención sobre la pareja y su hotel: "Si el Führer tuviera en algún momento dificultades, él podría encontrar un refugio en La Falda, donde ya se han hecho los preparativos necesarios".

El documento está fechado cuatro meses y diez días después de que Hitler se suicidara en el búnker de la Cancillería, en Berlín, y forma parte de una serie en la que el FBI investigó la supuesta huida del jefe nazi hacia la Argentina, una hipótesis que resultaría disparatada.

Recaudación en las sierras

La atención de los americanos sobre el matrimonio Eichhorn había comenzado a manifestarse meses antes del fin de la guerra, cuando consiguieron recopilar información de inteligencia en Buenos Aires que los comprometía.

En pocas semanas, el FBI había descubierto que la relación entre el führer y los dueños del Hotel Edén era más que estrecha, y que los Eichhorn no sólo eran nazis confesos y activos, sino que además habían actuado como recaudadores de dinero durante la campaña de Hitler para acceder al poder.

Ya en 1935, durante un viaje a Europa de la pareja, el 15 de mayo habían sido recibidos en la Cancillería del Reich y condecorados por el jefe del partido. "Querido camarada Eichhorn", había dicho un solemne Adolf Hitler ese día. "Desde su ingreso en 1924, usted y su esposa han apoyado al movimiento nacionalsocialista con enorme espíritu de sacrificio y acertada acción, y a mí personalmente, ya que fue su ayuda económica la que me permitió -en el verdadero significado de la palabra- seguir guiando la organización".

La colaboración seguiría en los años siguientes hasta tal punto que Ida Eichhorn y su esposo, en las sierras, durante el verano de 1944, recaudarían el equivalente a 30 mil marcos de la época, que habían enviado a Berlín a nombre del ministro de Propaganda, Joseph Gobbels.

En los últimos meses de la guerra, según recuerda el historiador local Carlos Panozzo, La Falda pasaría de ser un centro de recaudación a un lugar de refugio: en el puesto policial cercano al Edén de los Eichhorn, 1.200 alemanes recién llegados iniciarían el trámite para obtener documentos argentinos, alegando que estaban radicados allí.

Un hotel muy particular

Los Eichhorn habían llegado a La Falda en 1912 y compraron el Edén a otros alemanes que habían comenzado a explotarlo a finales de siglo. A partir de entonces, se iba a convertir en un hotel de cien habitaciones y cuarenta baños; comedor para 250 personas, bodegas repletas, salones decorados con araña de Murano y mármoles de Carrara, donde las familias más aristocráticas de la Argentina llegaban con su propio personal de servicio a pasar largas temporadas.

Según los registros de huéspedes, que aún se conservan, en el Edén se alojaban científicos como Albert Einstein, poetas como Rubén Darío, presidentes como Julio Roca y Agustín P. Justo, y príncipes como el italiano Umberto de Saboya. Las instalaciones contaban con un cine propio, frigorífico y generadores de energía, el crecimiento de La Falda se construiría a la sombra de su influencia.

Sin embargo, a partir de los años treinta el hotel iba a adquirir algunas características particulares. Viejos empleados todavía recuerdan los utensilios de cocina grabados con la cruz esvástica, y según reconstruye el historiador Panozzo, "los discursos y arengas de Hitler, en su mo

mento de mayor auge, eran captados por una antena de onda corta levantada en el techo del Edén, y retransmitidos dentro y fuera del hotel por altoparlantes".

En uno de los salones reservados del hotel, un gran retrato de Hitler, autografiado, presidía las ceremonias privadas de los Eichhorn. Viejas fotografías de Arturo Francisco, el primer fotógrafo de La Falda, muestran el retrato rodeado de ofrendas florales, como si el salón fuera un lugar de culto.

Una carta de los Eichhorn a unos amigos alemanes, reproducida en un film documental, dice textualmente: "(...) La Falda es enteramente obra nuestra y por lo tanto tiene un fuerte tinte alemán. Obviamente, nos hemos preocupado muy bien en que el pensamiento político de toda nuestra gente sea sin excepción nacionalsocialista".

El mito de la fuga de Hitler

El documento del FBI que pone en evidencia a los Eichhorn plantea también la sospecha de que Adolf Hitler hubiese podido escapar de Berlín y refugiarse en las sierras cordobesas. Hasta hace pocos años la sospecha había dejado lugar a la leyenda, y en La Falda todavía se podían escuchar testimonios de quienes juraban haber visto al führer caminando por allí.

Uno de esos presuntos testigos era una ex empleada del hotel, Catalina Damero, quien fantaseaba con haberle llevado la comida a Hitler, "a quien los Eichhorn alojaban en una habitación reservada del hotel".

Aunque esto no fuese cierto, la historia del Edén había estado muy ligada al nazismo, y tras el fin de la guerr los vientos cambiaron brutalmente para los alemanes de La Falda. Tras el armisticio, del cual hoy se cumplen sesenta años, un grupo de militantes antinazis derrumbó el águila que coronaba el capitel del edificio, y de la noche a la mañana las casas de los Eichhorn y sus amigos aparecieron pintadas con la "V" de la victoria que habían popularizado Winston Churchill.

Uno de esos antinazis había sido Ernesto Guevara Lynch, el padre del Che, a quien muchas veces había llevado en sus correrías por las sierras para espiar a los Eichhorn.

El final del Edén

Tras la rendición de Alemania, a la que Argentina había declarado la guerra sólo unas semanas antes, el hotel le fue expropiado temporalmente a los Eichhorn, como parte de la "propiedad enemiga" que había en el país.

Sus instalaciones iban a servir, en las semanas siguientes, para la internación del embajador japonés y todo su cuerpo diplomático, quienes habían quedado prisioneros con la derrota del Eje. Permanecerían allí durante ocho meses, al cabo de los cuales el Edén entraría en una especie de cono de sombras y más tarde no se podría saber con certeza ni quiénes eran sus dueños. Una de las versiones más insistentes era que se lo había quedado Juan Duarte, el hermano de Eva Perón, que a la vez era el secretario del presidente.

Con los años, otras historias de nazis circularían por allí. Adolf Eichmann y su familia, por ejemplo, visitarían con frecuencia La Falda, y Adolfo, uno de los hijos del autor de la "solución final", se casaría con la hija de un ex jardinero del hotel llamado Pummer.

También un ex marino del acorazado "Graf Spee" Erich Müller formaría matrimonio con María Zárate, quien había sido camarera del Edén.

Ahora, sesenta años después del fin de la guerra, ese ícono nazi de las sierras cordobesas espera una licitación que lo salve del derrumbe. Su historia, sin embargo, sobrevivirá a cualquier contingencia: será para siempre el hotel donde el FBI sospechó que se escondería Adolf Hitler, si hubiera conseguido escapar a la Argentina.

Jorge Camarasa

Elogio de la diferencia

En su libro "El Hotel Edén de La Falda", el historiador Carlos Panozzo reproduce una carta que el 28 de enero de 1930 un grupo de alemanes de la zona envió al ministro de Obras Públicas de Córdoba. En el documento, suscripto por veinticinco habitantes de Villa Edén, la zona que rodeaba al hotel, los vecinos reclamaban que no querían integrarse a La Falda ni a su municipio. Las razones que alegaban era que sus chalets estaban mejor construidos y sus calles mejor delineadas, y que el pueblo era "una población como cualquier otra, donde sus habitantes ejercen actividades propias de toda agrupación de gente".

El mismo día, en otra carta dirigida a una tal "señora Seyppel", Walter Eichhorn le pide que apoye este movimiento separatista y culmina despidiéndose: "Esto hará bien a todos. En nombre de Dios, saludos a todos nosotros y salve al Tercer Reich".

fuente: diario Rio Negro

La historieta argentina

2009-12-29T14:18:00.000-08:00

Historia

La historieta argentina comienza su historia a finales del siglo XIX, en la revista Caras y Caretas, donde aparecen los primeros relatos ilustrados y la inclusión de globos de diálogo en el dibujo. La historieta seguirá desarrollándose en el país hasta lograr el nivel más alto entre las décadas de 1940 y 1960, la llamada "Época Dorada". Luego de esta etapa la historieta nacional irá decayendo hasta llegar al punto de no existir ninguna publicación del género en la década de 1990 (exceptuando los autores que se autopublicaban). A partir de los años 2000 se ha intentado revalorizar el género, por medio de recopilaciones de viejas historietas. Un hecho significativo ha sido la vuelta a los kioscos de la mítica revista Fierro, que cuenta con los autores más reconocidos del país
Los inicios en la prensa satírica (1863-)

A finales del siglo XIX, un grupo de importantes ilustradores europeos (franceses y españoles principalmente) que se habían formado en la caricatura y la sátira empezarían a desarrollar su trabajo en las siguientes publicaciones de Buenos Aires:

* El Mosquito, un periódico dominical de características "satírico-burlescas", cuyo primer ejemplar salió el 24 de mayo de 1863 y el último, el 16 de julio de 1893. La parte gráfica, principal atractivo del periódico, consistía en caricaturas de los personajes y hechos del momento. Sus colaboradores más reconocidos fueron Meyer y Enrique Stein.
* Don Quijote del español Eduardo Sojo, publicada entre el 16 de agosto de 1884 y el 1 de noviembre de 1905, que se dedicaba a la publicación de humor político crítico y mordaz con el poder de la época, lo que acarreó presiones, secuestros de ejemplares y censura, e incluso Sojo fue encarcelado en algunas ocasiones. Entre las plumas de la revista se contaban el propio Sojo, Manuel Mayol y, ya hacia el final de la publicación, Manuel Redondo.
* PBT publicada desde el 24 de septiembre de 1904 por Eustaquio Pellicer albergó en sus páginas los trabajos de dibujantes como Manuel Mayol, José María Cao, Sanuy, Navarrete, Fortuny; y redactores como Bosco, Molina, Castro Rivera, Eusebi, entre otros.

Un nuevo lenguaje (1912-)

La revista Caras y Caretas fundada por Eustaquio Pellicer en 1898 y dirigida por Fray Mocho será la primera donde además de la sátira política se empiecen a ver relatos costumbristas. En 1912 se publica en ella la primera historieta que se hace eco de las novedades estadounidenses, pues incorpora personajes fijos, continuidad y globos de diálogo:[5] Se trató de la tira Viruta y Chicharrón,[1] cuyo autor es incierto.[6] Hay quien sostiene que al principio era realizada por un autor estadounidense, del cual no se conoce el nombre y luego sería continuada por Manuel Redondo, Juan Sanuy, o ambos;[7] y otros que asignan su autoría a Manuel Redondo,[8] e incluso otra versión afirma que los autores eran Manuel Redondo con la colaboración de Sanuy, siendo los personajes "la versión vernácula de SpareRibs and Gravy, dos personajes de Geo Mac Manus".[9] [10] Un año más tarde se publicó, también en Caras y Caretas, la historieta de Redondo llamada Sarrasqueta, la cual se mantuvo hasta la muerte del autor. Esto (la publicación de las tiras en Caras y Caretas) da a la historieta argentina una particularidad distintiva: en general, el cómic nace en las páginas de un periódico, mientras que en este caso aparece en una revista específica y representante del humor, gráfico y escrito.[6]

Ya en 1916 y en la revista El Hogar, aparecen Las Aventuras del Negro Raúl del argentino Arturo Lanteri. El personaje se caracterizaba por aspirar a una vida que su condición social no le permite alcanzar. Esta historieta no contaba con globos sino con textos, cuartetas rimadas, al pie del dibujo.[1]

También en este año, en la revista PBT, se publica Aventuras de un matrimonio aún sin bautizar, más tarde llamada Las Aventuras de Don Tallarín y Doña Tortuga, obra de Oscar Soldati, con un planteo técnico y temático sin precedentes en el país. En 1918 Mundo Argentino publicó Las aventuras de Tijerita, de Lanteri.[9]

Fundada en 1919 por Constancio Vigil, Billiken fue la primera revista infantil en incluir historietas. En sus páginas se pudieron (y pueden, porque aún se publica la revista) ver obras de Gastón Leroux, Fola, Vidal Dávila e historietas estadounidenses, siendo incluso la primera en publicar Superman.

La popularización de la historieta (1920-)

En esta década, precisamente en 1920, La Nación se convierte en el primer diario argentino en publicar historietas. La obra elegida fue Bringing Up Father de George McManus, traducida como Pequeñas delicias de la vida conyugal y sus protagonistas como Trifón y Sibebuta.
(De derecha a izquierda y de arriba hacia abajo): Colonese, Arístides Rechain, Ángel Borisoff, Ferroni, Videla, Ramón Columba, Valdivia, Eduardo Álvarez y Siulnas.

En la revista El Hogar y salida de la pluma de Lanteri, aparece en 1922 la exitosa Aventuras de Don Pancho Talero de la cual más tarde surgieron dos exitosos films basados en el personaje.[11] [12]

Es evidente el auge del medio teniendo en cuenta que casi toda revista de actualidad de la década contenía historietas. Se pueden mencionar en primer lugar a las revistas El Suplemento: Panitruco (dibujos de un debutante Dante Quinterno y guión de Leroy); La Novela Semanal: Página del Dólar (1923) (auspiciada por la marca de cigarrillos Dólar) y La Familia de Don Sofanor (1925) de Arístides Rechain, Andanzas y desventuras de Don Manolo Quaranta (1926), primer personaje creado por Dante Quinterno, La barra de Candelario de Gutiérrez y Pepinito y su novia de González Fossatt; Mundo Argentino: Anacleto (1924) de Lanteri , Firulete y Retacón (1924) de González Fossat y el primer éxito de Quinterno, Don Fermín (más tarde Don Fierro); Femenil: Pantaleón Carmona (1927) de Messa y Las hijas de Pastasciuta (1928) de Oscar Soldati.[9] [11] [13]

En 1922 nace Páginas de Columba, del dibujante argentino Ramón Columba, quién le dio lugar al desarrollo de artistas locales. Es en esta revista donde se publica Jimmy y su pupilo (1924) de Gónzalez Fossat, considerada la primera historieta deportiva y que además fue la precursora del clásico continuará, marcando así que la historia tenía continuidad en el número siguiente y no se trataba de historias aisladas.[12] De esta publicación en 1928 se desprende la primera revista que contenía únicamente historietas: El Tony.
Oscar Blotta.

Al notar que la publicación de Bringing Up Father tuvo éxito, los responsables del diario La Nación deciden incluir una segunda obra del género en 1926: Betty de Charles Voight.[9] El 26 de septiembre de 1928 aparece el primer número de El Tony (sucesora de Páginas de Columba).[6] Se trata de un semanario de 16 páginas, impreso a una tinta de color. El proyecto era publicar adaptaciones de famosas novelas de aventuras: tarea que recae, principalmente, sobre Raúl Roux.[14] El 19 de octubre hace su aparición uno de los personajes de mayor importancia en la historieta argentina: el indio Patoruzú. Lo hace como personaje secundario de la tira Las Aventuras de Don Gil Contento (previamente llamada Un porteño optimista)[9] publicada en Crítica que es levantada al poco tiempo y su autor, Dante Quinterno muda al diario La Razón.

En 1929, también en Crítica se publica una historieta de carácter serio: El Tigre de los Llanos, obra de Raúl Ramauge en la cual se narraba la vida de Facundo Quiroga recurriendo a grandes cuadros de textos, pero sin utilizar globos de diálogo.[9] Completan la serie de relatos argentinos realizados por este autor: La estancia del ombú, Marta Riquelme, Martín Fierro y Vida de Manuelita Rosas.[14]

Ya en los años 30, el diario La Opinión publica Ramona, una tira firmada por Lino Palacio (quien en 1934 publica Don Fulgencio en La Prensa) y Caras y Caretas presenta Las desventuras de Maneco de Linage, personaje de cierta popularidad en la época.[9]

El Diario Crítica se convierte en el primero en publicar un suplemento de historietas a color en el año 1931 y es para esa época el periódico de mayor tirada en habla hispana con 352.432 ejemplares.[14] Durante ese año el diario sufrió una clausura que sería levantada más tarde. El mismo año la tira Don Julián de Montepío, de Quinterno, es renombrada debido a la popularidad que obtiene un personaje secundario: Patoruzú, quién pasa a convertirse en la estrella de la publicación que toma su nombre en agosto.

En 1935, Quinterno muda nuevamente sus personajes, esta vez al diario El Mundo y funda al mismo tiempo el primer sindicato de historietistas del país: el Sindicato Dante Quinterno.

Un año más tarde, Quinterno saca a la venta una revista a la que nombra como su personaje más famoso, cuyo primer número se agotó el mismo día de su aparición.[6] Al comienzo incluye recopilaciones de las tiras aparecidas en El Mundo y luego comienzan a producirse nuevas, a su vez que la revista es completada por otras creaciones: Hernán, el Corsario de José Luis Salinas, Ventajita de Blotta y Juliá, María Luz de Battaglia, además de varios personajes creados por Eduardo Ferro (Bólido, Pandora, Tara Service, entre otros). Patoruzú, además, contaba con artículos que completaban la publicación.

El año 1937 vio el nacimiento de una nueva serie humorística en la revista ¡Aquí está!: Conventillo, obra de Héctor Torino. Esta tira cambió de nombre varias veces durante los cuarenta años de su existencia y contó con la aparición de un personaje reconocido popularmente: Don Nicola. Ese mismo año, salió a la luz una nueva revista: Pif Paf, que rompió con el modelo de historietas con extensas descripciones literarias de la acción (presente en El Tony) con un nuevo formato y distribución en página de las series.[11] [15]
La Época Dorada (1943-1960)

Para el teórico Oscar Masotta:
A mediados de los años cuarenta la publicación de tres revistas inicia una nueva era, una edad de oro que no se prolongará en cambio mucho más allá de la entrada de los años sesenta: Rico Tipo (1944), Patoruzito (1945) e Intervalo (Editorial Columba, 1945). Suben de inmediato las cifras de venta. Se crea entonces un sindicato argentino, Surameris, que asociado con la Editorial Abril será el encargado a comienzos de los años cincuenta de traer al país al grupo italiano de Pratt y Ongaro.[16]

Oscar de Majo agrega:
Pero, fundamentalmente, el inicio de la época de oro lo marca la aparición y consolidación de la historieta "seria", "adulta", que le valdrá el mote de "literatura dibujada", y que se apoya en la fundación, en 1945, de la revista Intervalo, también de Editorial Columba, que viene a llenar el "bache" y completa el espectro que se da con Billiken, para los chicos; Patoruzito, para los jóvenes, e Intervalo, para los adultos.[6]
Divito

Uno de los puntos de inflexión en la forma de hacer historietas que caracterizó a este periodo fue consecuencia de la urgencia por apurar la producción editorial, estandarizando las series. Este hecho fue el surgimiento de un nuevo rol: guionista, tarea que recayó en las manos de escritores, periodistas y redactores publicitarios, quiénes carecían de una técnica de los cómics: Vicente Barbieri, Isaac Aisenberg, Conrado Nalé Roxlo y Manuel Peyrou. Todavía no existía una conciencia de cómo podía estructurarse una relación entre guionista y dibujante. En parte esto se podía ver en el tamaño desmesurado de los bloques de texto que a veces llegaban a desplazar al dibujo a un segundo plano. Leonardo Wadel es, por el contrario, uno de los primeros guionistas que se despegan de esta concepción de la historieta como lenguaje subsidiario de otros géneros. Comenzó a publicar en 1936 la serie Kharú, el hombre misterioso con dibujos de de Carlos Clemen en la revista Mustafá.[17]

En el mes de noviembre de 1944 comenzó a publicarse una de las revistas que más repercursiones tuvieron en el medio gráfico: Rico Tipo. Su creador, Guillermo Divito, había sido hasta ese momento parte de la editorial de Dante Quinterno y decide convocar para este emprendimiento a Oski, Ianiro y Liotta. Los personajes de la revista, todos creación de Divito eran fieles reflejos de la sociedad de la época: El doctor merengue, las chicas, Fúlmine, Bómbolo y Falluteli, entre otros.

En esta época, se empiezan también a publicar historias de aventuras con un grafismo más realista. Es el caso de las series Kid, de Rio Grande (1942) de Alberto Breccia, y Miguel Strogoff y La Costa de Marfil (adaptaciones de la obra de Julio Verne y de Emilio Salgari, respectivamente), de José Luis Salinas.

El 13 de abril de 1945 aparece el primer número de una nueva revista de la Editorial Columba: Intervalo en la cual se publicaban historietas apoyadas en modelos literarios (principalmente el folletín), carentes de guión, siendo una mera reproducción textual o un resumen adornado con ilustraciones; el texto repetía lo que las imágenes ya mostraban, incluso sin utilizar el globo de los cómics, utilizando sólo epígrafes o largas tiradas de viñetas ocupadas sólo con palabras. Estas historietas, sin embargo, tuvieron un éxito tal que en 1951 junto a Intervalo comenzó a salir Intervalo Extra, dedicado exclusivamente a adaptaciones de la literatura universal.[6]

En octubre, Dante Quinterno saca a la luz un nuevo semanario de historietas: Patoruzito (incluía en sus páginas centrales la versión infantil de Pataoruzú, creada por Tulio Lovatto y Mirco Repetto), todas hechas por historietistas del país y con dos temáticas principales: acción y aventuras. Langostino de Eduardo Ferro, Rinkel de Lovatto, Ira implacable de Raúl Roux, el Gnomo Pimentón de Oscar Blotta, entre otras, eran las historietas de corte humorístico que componían la publicación. Dentro de la historieta seria destacaba Vito Nervio, al principio realizada por Augusto Cortinas (guiones) y Mirco Repetto (dibujos) y luego de 1946 por Leonardo Wadel y Alberto Breccia.[18]

Cesare Civita, por su parte, instala Editorial Abril en el país y lanza la revista Salgari en 1947, donde el personaje Misterix (de la dupla Ongaro-Campani) adquiere tanta popularidad, que en 1948 decide editar su propia revista, al principio conteniendo material de origen italiano para ir paulatinamente añadiendo obras de autores nacionales.
Años 1950

En julio de 1950 Abril lanza también la revista Cinemisterio, mientras que Columba publica el primer número de Fantasía, la pequeña revista de las grandes historietas cuyo subtítulo hace referencia al tamaño que tenía la revista, conocido como de bolsillo.

En 1951, precisamente en la revista Cinemisterio, publica su primer trabajo el que se convertiría en uno de los guionistas más importantes del país: Héctor Germán Oesterheld. Al mismo momento se suma otra editorial a la publicación de historietas con una revista mensual: Pimpinela (la mayoría de las revistas eran semanales). En ella destaca Duval y Gordon de Wadel y Vieytes. Al año siguiente se publica el que sería el primer éxito de Oesterheld: Bull Rocket, con dibujos de Paul Campani en la revista Misterix. Ya en 1953 comienza a publicarse en la misma revista otra de las obras más conocidas del guionista: Sargento Kirk, junto al dibujante italiano Hugo Pratt. En 1954 irrumpe en la escena una nueva revista de Códex: Gatitos, dedicada al público infantil y con la colaboración de Oesterheld. Ese mismo año, dentro de Pimpinela surge un suplemento, Sabú, dibujada por Carlos Roume y con guiones del prolífico guionista Leonardo Wadel.

En 1955, Oesterheld crea Editorial Frontera junto a su hermano Jorge. Publican versiones noveladas de Bull Rocket y Sargento Kirk. Dos años después salen las primeras revistas de la editorial: Frontera y Hora Cero que se publican mensualmente y tenían la característica de contener historias autoconclusivas. La mayoría de los guiones corren por cuenta de Oesterheld y cuenta con numerosos dibujantes. El 4 de septiembre aparece Hora Cero, Suplemento Semanal dedicada a las historias continuadas (Desde 2005 se festeja el Día de la Historieta los 4 de septiembre en honor a la publicación).[19] Es en esta revista que comienza a publicarse El Eternauta, clásico de la historieta argentina, con guión de Oesterheld y dibujos de Francisco Solano López.

Ese mismo año Columba saca una nueva revista: D'Artagnan y Landrú lanza su propia revista que llevara el nombre de uno de sus personajes: Tía Vicenta, dedicada al humor.

El fin de la década trae consigo el cierre de algunas editoriales y un cambio de concepción respecto a la importación de material extranjero, el cual ya no es tan requerido por el público lector de historietas. A partir de ese momento la producción pasa a ser local y afín a los gustos de una nueva generación de lectores.[20] Se producen entonces innovaciones que constituyen novedades en la articulación (o la oposición) entre dibujo y texto, o entre relato y secuencia gráfica.[21]

El lento declive (1961-1983)

En la década de 1960, el cómic argentino está signado por dos factores contrarios: por un lado esta época marca el inicio de una disminución en la producción de material y un debilitamiento en la industria. La aventura editorial (Editorial Frontera) de Oesterheld termina en 1963 con el número 77 de Hora Cero "Extra" y los derechos de sus personajes pasan a Editorial Ramírez. También sufren un impacto grandes editoriales como las que publicaban Misterix y Rico Tipo. Entre otros, los factores de la decadencia fueron:

* El ingreso al país, en forma masiva, de revistas mexicanas (principalmente de Editorial Novaro) a un precio mucho menor y mejor calidad.
* La invención de la televisión (este factor se da a nivel mundial), que se convirtió en la moda del momento y era gratis.
* La partida a Europa de los mejores dibujantes (donde tienen mayores oportunidades y mejor remuneración) repercute en un descenso en cuanto a calidad artística.[6]

Columba es la única editorial que subsiste a esta crisis manteniendo sus publicaciones tradicionales, pero sacrificando para ello la calidad de edición y espaciando la periodicidad de sus publicaciones: las semanales pasaron a ser quincenales o mensuales. También reemplazó las historietas continuadas por historias autoconclusivas.[6]

Por otro lado, y ya desde los últimos años de la década anterior la historieta argentina había comenzado un proceso de reformulación, de innovaciones formales, que fue proveyéndola de rasgos que le otorgaban una individualidad propia, diferente a otras tradiciones. De la mano de dibujantes como Alberto Breccia, Francisco Solano López, Hugo Pratt, Daniel Haupt y Gustavo Trigo se introduce un expresionismo que se manifiesta, entre otros rasgos, en el cultivo sincopado de los contrastes de tono; en la línea escueta; en la definción de tipos faciales y corporales extremos; en la instalación permamente de detalles que remiten a lo terrible o lo grotesco. Pero estos rasgos no componen un estilo, una novedad (el expresionismo estaba presente en la historieta mundial desde hacía tiempo: Krazy Kat, The Spirit, Dick Tracy). La innovación argentina consistió en la articulación de ese estilo de dibujo con narraciones novelísticas, aventuras que suponían motivaciones psicológicas complejas. El principal guionista de este momento y quién sentó las bases de la nueva forma de narrar fue Héctor Germán Oesterheld.[22] Entre 1962 y 1964, Oesterheld, junto a Alberto Breccia forman una dupla de innovadores para crear uno de los personajes más reconocidos del cómic argentino: Mort Cinder (publicado en Misterix), un sujeto que muere y resucita constantemente.

Es también en esta década que surgirá otro de los íconos historietísticos argentinos: Mafalda, de Quino.[23] Esta tira, que fuera pensada para la publicidad de una línea de electrodomésticos, hace su debut en las páginas de Primera Plana el 29 de septiembre de 1964. En 1965, por diferencias con los editores, Quino traslada a su tira hacia el diario El Mundo, de gran circulación a nivel nacional. Un año después Mafalda se multiplica en diarios de todo el país y también de Uruguay y hacia fin de año se publica el primer libro recopilatorio, agotado en dos días. [23] En 1968, tras el cierre de El Mundo, reaparece en Siete Días y es también publicada en Italia. Para 1971 la tira ya es traducida en nuemerosos idiomas: portugués, inglés, alemán, danés, sueco y flamenco. Dos años después, el 25 de julio se publica la última tira, por decisión irrevocable de su propio autor. Luego de ésto sólo aparecerán dibujos ocasionales (por ejemplo, los que Quino hizo para la campaña de Declaración de los Derechos del Niño que organizó UNICEF en 1977)[23]
Mural de El Eternauta en la línea B de subtes. Imagen tomada de la versión de Oesterheld-Breccia.

En 1966 hizo su debut un historietista, aunque paraguayo, de gran trayectoria en la Argentina: Robin Wood. Lo hace en la revista D'Artagnan junto al dibujante Lucho Olivera con una historieta llamada Aquí la retirada. Un año después, la misma dupla publica el primer episodio de su exitosa obra, Nippur de Lagash.

En octubre de 1968, en consonancia con la nueva conciencia del medio a nivel mundial, el Instituto Di Tella de Buenos Aires organizó la Primera Bienal Mundial de la Historieta, con representación de los países con mayor tradición historietística a nivel mundial: Argentina, Estados Unidos, Brasil, Japón, Italia, Francia, Inglaterra y España.[24] La muestra puso en la escena internacional a los artistas argentinos e hizo que fueran conocidos en círculos ajenos a la historieta. Además, apareció la revista LD (Literatura Dibujada), fundada por Oscar Masotta. Aunque de corta duración (3 números entre noviembre de 1968 y enero de 1969) respresntó la primera revista en publicar ensayos, comentarios y crítica sobre historieta.[25]

También ese año Oesterheld y Alberto Breccia vuelven a colaborar, esta vez sumando al hijo del segundo: Enrique. Juntos crean Che, la vida del Che Guevara, para la editorial Jorge Álvarez. Sin embargo, el gobierno censura la obra y suspende la circulación, secuestrando los originales.

En 1969, en la revista Gente Oesterheld y Alberto Breccia realizan una segunda versión de El Eternauta. Sin embargo, los editores del semanario no están muy conformes con la historieta y deciden dejar de publicarla, obligando así a que Oesterheld resumiera el argumento para darle un fin.

Años 1970

En el año 1972 aparece en la ciudad de Córdoba una publicación dedicada al humor: Hortensia. Con un inicio localista, la revista tendría repercusión a nivel nacional. El mismo año, el 1 de noviembre, se comienza a publicar Satiricón, también dedicada al humor.

En 1973, el Diario Clarín decide hacer una renovación en su contratapa contratando jóvenes autores como Caloi, Crist, Sendra. El mismo año, un 25 de junio llega a su fin una de las tiras argentinas más reconocidas en el mundo, Mafalda.

Un año más tarde hace su aparición una nueva revista dedicada íntegramente al género, Skorpio, propiedad de Ediciones Récord. La revista tuvo como colaboradores a gran parte de los artistas más reconocidos del país.

En el mes de octubre el gobierno de María Estela Martínez de Perón clausura la revista Satiricón. Los editores recurren a la justicia y mientras tanto sacan una nueva revista, de tono más moderado que su predecesora: Chaupinela.

En julio de 1975 se publica la primera tira de El loco Chávez, guionada por Carlos Trillo y dibujos de Horacio Altuna en el diario Clarín. Rápidamente se transforma en popular.

En diciembre de 1976, ya bajo la órbita del autodenominado Proceso de Reorganización Nacional comienza a publicarse El Eternauta II en la revista Skorpio con Héctor Germán Oesterheld en guión y Francisco Solano López en dibujo. Oesterheld ya participaba en la organización guerrillera Montoneros, lo que se ve reflejado en el carácter panfletario de la historieta a diferencia de la obra original. El guión lo terminó de escribir en la clandestinidad.

El 27 de abril de 1977 es secuestrado Héctor Germán Oesterheld por fuerzas de la dictadura. Se presume que un año después fue asesinado. El 30 de abril de ese mismo año salió el último número de la revista Patoruzú.
Carlos Trillo

En junio del año 1978 sale a la venta una nueva revista Humor que pretendía ser una voz de opinión diferente dentro de un panorama de censura por parte del gobierno del país. Al frente del emprendimiento se encontraba Andrés Cascioli con Ediciones de la Urraca.

Un año después se comienza a publicar Las puertitas del Sr. López en El Péndulo, la cual más tarde recayó en Humor. Editorial Columba lanza una nueva publicación Nippur Magnum, nuevo hogar del popular Nippur de Lagash y otros personajes como Dennis Martin, la revista mantuvo el formato de las otras revistas de la editorial.

En 1980, Clarín se convierte en el primer diario en publicar sólo producción nacional al reemplazar la tira estadounidense Mutt y Jeff con Teodoro y Cía.
La historieta sobreviviente(1984-)
José Muñoz y Carlos Sampayo

El mes de septiembre de 1984 ve el nacimiento de una nueva revista íntegramente dedicada a la historieta que revolucionará el mercado: Fierro, publicada por Ediciones de la Urraca.

En octubre de 1989 se comienza a publicar Comic Magazine, la primera revista profesional especializada en historietas. Tuvo una aparición irregular y no llegó nunca a instalarse, pero ocupó un lugar vacante que luego llenarían otras publicaciones, la cobertura de la historieta como género y temas relacionados con ella, como el cine y la televisión.

Con el dólar barato la historieta extranjera se hace accesible. Los superhéroes norteamericanos y más tarde el manga, inundan el mercado. Las ediciones importadas son más lujosas que las nacionales, y en relación más baratas. Al cómic argentino cada vez se le hace más difícil sobrevivir en el mercado.

En diciembre de 1992 ocurren dos hechos, ambos en Ediciones de la Urraca, que marcan el decaimiento del interés por la historieta autóctona. Luego de 100 números la revista Fierro deja de publicarse. Al mismo tiempo se lanza Cazador, en su propia revista en formato de comic-book. Las revistas de antologías dan lugar a los comic-book, formato predominante proveniente de la industria norteamericana, en el que se editará casi todo lo que se haga en Argentina.

En mayo de 1994 aparece el primer número de Comiqueando, revista especializada en el medio.

En enero de 1996 sale el último número de Skorpio. Sobreviven por algún tiempo más las revistas de Columba, que cada vez reciclan más el material ya publicado. Entre el 7 y 10 de noviembre se llevó a cabo Fantabaires, la 1º Convención de Historietas, Humor Gráfico, Ciencia Ficción y Terror.

En el 2000 el diario Clarín incluyó El Eternauta en su colección La Biblioteca Argentina / Serie Clásicos. Figuraba con el número 24 junto a obras como Martín Fierro y autores como Borges, Sábato o Cortázar. De esta manera la obra de Oesterheld y Solano López en particular y la historieta en general reciben un importante reconocimiento al ser ubicadas junto a lo más importante de la literatura argentina.

Un año después cierra Columba. A mediados del año anterior había cancelado todos los títulos que publicaba desde hacía décadas. Intentando adaptarse a las nuevas tendencias lanzó una serie de comic-books con algunos de sus personajes más conocidos, sin embargo, la poca venta obliga a levantar las publicaciones y en mayo salen los últimos números. Cierra así la editorial que por más tiempo publicó historietas en el país.

En el año 2006, el Museo de Bellas Artes de Chile, le rinde homenaje a la Historieta Argentina, que influyó y fue pionera en toda America Latina, realizando tres muestras de ella en Santiago de Chile. El Museo del Dibujo y la Ilustración de Buenos Aires, envía un importante material para las exhibiciones, que tuvieron gran repercusión en el público y en la prensa y medios culturales en general.

En el año 2007, José Muñoz, dibujante que se inicia realizando los fondos de El Eternauta, ganó el Gran Premio de la ciudad de Angouléme, Francia. Este galardón le dió derecho a presidir el Festival 2008 y en el organizó una muestra de homenaje a la Historieta Argentina. Dicha muestra fue curada por el editor Giustiniano Zuccato y estuvo expuesta en el Musee de la Band Desinee entre los meses de enero y agosto de 2008. Esta muestra contó con el aporte del Museo del Dibujo y la Ilustración de Buenos Aires, el cual envió 80 originales de los artistas mas importantes de la Argentina.

DISTOPIA - ANTIUTOPIA

2009-11-30T06:21:00.000-08:00

Distopía

Una distopía^[1] es una utopía perversa donde la realidad transcurre en términos opuestos a los de una sociedad ideal. El término fue acuñado como antónimo de utopía y se usa principalmente para hacer referencia a una sociedad ficticia (frecuentemente emplazada en el futuro cercano) en donde las tendencias sociales se llevan a extremos apocalípticos.

Etimología

De acuerdo al Oxford English Dictionary, el término fue acuñado a fines del siglo XIX por John Stuart Mill, quien también empleaba el sinónimo creado por Bentham, cacotopía, al mismo tiempo. Ambas palabras se basaron en el término utopía, acuñada por Tomás Moro como ou-topía o lugar que no existe, normalmente descrito en términos de una sociedad perfecta o ideal. De ahí, entonces, se deriva distopía, como una utopía negativa donde la realidad transcurre en términos antitéticos a los de una sociedad ideal. Comúnmente, la diferencia entre utopía y distopía depende del punto de vista del autor de la obra o, en algunos casos, de la recepción del propio lector, que juzgue el contexto descrito como deseable o indeseable.

Temática y uso

Los textos basados en distopías surgen como obras de advertencia, o como sátiras, que muestran las tendencias actuales extrapoladas en finales apocalípticos. Las utopías, en cambio, no se basan en la sociedad actual, sino que transcurren en una época y un lugar remotos, o indeterminados, o luego de una ruptura de la continuidad histórica (por ejemplo, las obras de H.G. Wells).

Las distopías guardan mucha relación con la época y el contexto socio-político en que se conciben. Por ejemplo, algunas distopías de la primera mitad del siglo XX advertían de los peligros del socialismo de Estado, de la mediocridad generalizada, del control social, de la evolución de las democracias liberales hacia sociedades totalitarias, del consumismo y el aislamiento (Nosotros, 1984, Un mundo feliz). Otras más recientes son obras de ciencia ficción ambientadas en un futuro cercano y etiquetadas como ciberpunk, que utilizan una ambientación distópica en que el mundo se encuentra coercitivamente dominado por las grandes transnacionales capitalistas con altos grados de sofisticación tecnológica y carácter represivo.

Otras distopías son presentadas como utopías en su visión superficial, pero a medida que los personajes se adentran en la misma descubren que el aparente mundo utópico mantiene ocultas características propias de las distopías que resultan indispensables para su funcionamiento. Estas distopías suelen estar pensadas para advertir sobre los riesgos de la manipulación mediática o política.

Anexo:Distopías en obras culturales

Distopías en la literatura

La máquina del tiempo, de H. G. Wells (1895)
Ubú rey, de Alfred Jarry (1896)
Cuando el dormido despierte, de H. G. Wells (1899)
Señor del mundo, de Robert Hugh Benson (1908)
El talón de hierro, de Jack London (1908)
La peste Escarlata, de Jack London (1912)
Nosotros, de Yevgeni Zamiatin (1924)
Un mundo feliz, de Aldous Huxley (1932)
XYZ, de Clemente Palma (1934)
Things to Come, de H. G. Wells (1935)
La guerra de las salamandras, de Karel Čapek (1936)
Los que vivimos, de Ayn Rand (1936)
El cero y el infinito, de Arthur Koestler (1940)
La Trama Celeste, de Adolfo Bioy Casares (1942)
Rebelión en la granja, de George Orwell (1945)
1984, de George Orwell (1949)
Limbo, de Bernard Wolfe (1952)
Fahrenheit 451, de Ray Bradbury (1953)
Mercaderes del espacio, de Frederik Pohl y Cyril M. Kornbluth (1954)
Soy Leyenda, de Richard Matheson (1954)
La naranja mecánica, de Anthony Burgess (1962)
El planeta de los simios de Pierre Boulle (1963)
¡Hagan sitio!, ¡hagan sitio!, de Harry Harrison (1966)
La fuga de Logan, de William F. Nolan y George Clayton Johnson (1967)
¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, de Philip K. Dick (1968)
La exhibición de atrocidades, de J. G. Ballard (1970)
Un día perfecto, de Ira Levin (1970)
El mundo interior, de Robert Silverberg (1971)
Rascacielos, de J.G. Ballard (1975)
1985, de John A. Burgess (1978)
La danza de la muerte, de Stephen King (1978) (expandida y publicada más tarde bajo el nombre de Apocalipsis)
La larga marcha, de Stephen King (1979)
V de Vendetta, novela gráfica de Alan Moore y David Lloyd (1981 - 1988)
El fugitivo, de Stephen King escrita bajo el seudónimo de Richard Bachman (1982)
Akira, manga de Katsuhiro Otomo (1982 - 1993)
Mañana, las ratas, de José B. Adolph (1984)
Neuromante, de William Gibson (1984)
El cartero, de David Brin (1985)
Watchmen, novela gráfica de Alan Moore y Dave Gibbons (1986 - 1987)
Las Torres del Olvido, de George Turner (1987)
The Children of Men, de P.D. James (1992)
El dador, de Lois Lowry (1993)
Guerracivilandia en ruinas, de G. Saunders (1996)
Battle Royale, de Koushun Takami (1999)
El breve y espantoso reinado de Phil, de G. Saunders (2005)
Nunca me abandones, de Kazuo Ishiguro (2005)
TimeXplorers, de J. Vedovelli (2007)
Veracity, de Mark Lavorato (2007)
Blind Faith, de Ben Elton (2007)
The Declaration, de Gemma Malley (2008)
Truancy, de Isamu Fukui (2008)
The Forest of Hands and Teeth, de Carrie Ryan ^[1] (2009)
Fahrenheit 56K, de Fernando de Querol Alcaraz^[2] (2009)
Mister, de Alex Kurtagic ^[3] (2009)
Far North, de Marcel Theroux (2009)
Emily, de Dana De Young ^[4] (2010)
Carnaval Policía, novela gráfica de Rodrigo Adaos ^[5] (2010)

Distopías en el cine

Metrópolis, de Fritz Lang (1927)
Things to Come, de William Cameron Menzies (1936), basada en la novela homónima, de H. G. Wells
1984 de Michael Anderson, primera versión de novela homónima, de George Orwell (1956)
La jetée, de Chris Marker (1962)
El señor de las moscas (1963), de Peter Brook, basada en la novela homónima de William Golding
El último hombre sobre la tierra (1964), de Ubaldo Ragona basado en la novela Soy Leyenda de Richard Matheson
Alphaville, (Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution), de Jean-Luc Godard (1965)
Fahrenheit 451, de François Truffaut (1966), basada en la novela homónima, de Ray Bradbury
El planeta de los simios (1968), película estadounidense dirigida por Franklin Schaffner
Invasion, de Hugo Santiago (1969)
La naranja mecánica, de Stanley Kubrick (1971) (basada en la novela homónima, de Anthony Burgess)
THX 1138, de George Lucas (1971)
El último hombre vivo, de Boris Sagal (1971)
Naves misteriosas (Silent Running), de Douglas Trumbull (1972)
Cuando el destino nos alcance (Soylent Green), de Richard Fleischer (1973) (basada en ¡Hagan sitio!, ¡hagan sitio!)
El dormilón, de Woody Allen (1973)
Almas de metal, de Michael Crichton (1973)
Zardoz, de John Boorman (1974)
Rollerball de Norman Jewison (1975)
La fuga de Logan, de Michael Anderson (1976), basada en la novela de William F. Nolan y George Clayton Johnson
Mad Max, de George Miller (1979)
1997: Escape de Nueva York, de John Carpenter (1981)
Blade Runner, de Ridley Scott (1982) (basada en ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?)
1984 (Nineteen Eighty-Four), de Michael Radford, basada en la novela 1984 de George Orwell (1984)
Terminator, de James Cameron (1984)
Sex Mission. Misión en el Futuro, de Juliusz Machulski (1984)
Brazil, de Terry Gilliam (1985)
Lo que Vendrá, de Gustavo Mosquera R. (1986)
Kin-dza-dza!, de Georgi Daneliya (1986)
Robocop, de Paul Verhoeven (1987)
Perseguido, de Paul Michael Glaser (1987) inspirada en un texto de Robert Sheckley
Akira, de Katsuhiro Ôtomo (1988), basada en el manga homónimo)
El señor de las moscas, de Harry Hook (1990), basada en la novela homónima de William Golding
Desafio Total (Total Recall), de Paul Verhoeven (1990)
El Cuento de la Doncella de Volker Schlöndorff (1990)
Acción Mutante, de Álex de la Iglesia (1993)
Demolition Man, dirigida por Marco Brambilla (1993)
Doce monos (Twelve Monkeys), de Terry Gilliam (1995) (basada en La jetée)
Días extraños, de Kathryn Bigelow (1995)
Waterworld, de Kevin Reynolds (1995)
2013: Rescate en L.A., de John Carpenter (1996)
Ghost in the Shell (攻殻機動隊), de Mamoru Oshii (1996) (basada en el manga homónimo)
Gattaca, de Andrew Niccol (1997)
The Postman de Kevin Costner (1997) basado en la novela El cartero de David Brin
Dark City, de Alex Proyas (1998)
La Sonámbula, de Fernando Spiner (1998)
The Matrix, de los Hermanos Wachowski (1999) (inspirada en parte en Ghost in the Shell)
Nivel 13 (The Thirteenth Floor) de Josef Rusnak (1999)
El Sexto Día, de Roger Spottiswoode (2000)
Battle Royale, de Kinji Fukasaku (2000) (basada en la novela de Koushun Takami)
Inteligencia Artificial, de Steven Spielberg (2001)
Equilibrium, de Kurt Wimmer (2002)
Minority Report, de Steven Spielberg (2002)
28 Días Después (28 days later), de Danny Boyle. (2002)
El Regreso a las cavernas, de Larry Clark. (2002)
Código 46 (Code 46), de Michael Winterbottom. (2003)
Wonderful Days, de Moon-saeng Kim y Park Sunmin. (2003)
Yo, Robot, de Alex Proyas (2004)
FAQ: Frequently Asked Questions, de Carlos Atanes (2004)
Æon Flux, de Karyn Kusama (2005), basada en la serie de animación del mismo nombre
La isla, de Michael Bay (2005)
Serenity, de Joss Whedon (2005), basada en la serie de TV Firefly
V de Vendetta (V de Venganza), de James McTeigue (2006). Basada en el comic V de Vendetta publicado en el año 1988 con Alan Moore como guionista y David Lloyd como dibujante
Idiocracia, de Mike Judge (2006)
Hijos de los hombres, de Alfonso Cuarón, basada en la novela homónima de P. D. James (2006)
Soy Leyenda, de Francis Lawrence, basada en la novela de Richard Matheson (2007)
28 semanas después llamada Exterminio 2 en Latino-america, de Juan Carlos Fresnadillo
WALL·E, de Andrew Stanton (2008)
Repo! The Genetic Opera, de Darren Lynn Bousman (2008)

Distopías en los videojuegos

Final Fantasy VI, Square (1994)
Fallout I, II y III, Black Isle (1997)
Deus EX, Eidos Interactive (2000)
Dreamfall: The Longest Journey, Funcom (2006)
S.T.A.L.K.E.R.: Shadow of Chernobyl, GSC Game World (2007)
BioShock, Irrational Games (2007)
S.T.A.L.K.E.R.: Clear Sky, GSC Game World (2008)
Half Life 2, Valve (2004)
Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots, Konami (2008)
Mirror's Edge, DICE(2008)

JAZZ BAHIENSE???

2009-03-28T14:14:00.000-07:00

nota extraida del blog el delfin verde (http://eldelfinverde.com.ar/?p=181)

Rayes al Sur, Max Roach criollo?

September 17th, 2008 by

Nestor Rayes, 63 años, gruñon, bopero, escuchador de bateristas y batero él mismo, tiene una dilatada carrera en el campo de la música, en Punta Alta, su ciudad natal y Bahía Blanca, su ciudad de adopción. Antonia, su esforzada esposa, le dió cariño, paciencia y tres hijos, músicos también (en algún momento tocaron todos juntos) aficionados. Néstor se define también aficionado pero a la hora de tocar es un profesional. Dirige (aunque el término lo le guste) una de las pocas (atrevida aseveración que corre por mi cuenta) orquesta de swing estable, del mundo. 17 músicos en escena, con crooner (cantante) y director de orquesta. Cuando no está con la orquesta toca la batería acompañando a Bill Evans (en grabaciones) y otros músicos en vivo.El trío es lo que mejor le sienta y el actual se llama, en honor a su nieto, Facus Trío, con Fernando Balestra al piano y Federico García del Cerro en bajo. En una actuación en el teatro municipal de Bahía Blanca, grabó un cd con el agregado de Jimmy Schocron en flauta y el inefable Raúl Soto en saxo tenor. Los temas son Stolen Moments, Nardis, Funkalero, If Where a Bell, I Remember Clifford, Mourn And Sand, You and The Night and the Music, Lady Bird, Meaning of The Blues y I Mean You. El trío suena muy bien y debajo hay una prueba de ello. El pianista (joven) es un ecléctico que escucha desde Jarrett hasta Tyner, pasando por Taylor (Cecil) y Stanley Cowell. De formación clásica, tiene alma jazzera. Federico García del Cerro es un brillante bajista, creo que toca el eléctrico de cómodo nomás, pero toca el acústico también. Nestor Rayes de quien hice una breve reseña mas arriba, mereció haber nacido mas al norte y toca la batería en trío, en orquesta y en general en toda ocasión que el jazz requiera.

de izquierda a derecha:
Fernando Balestra, Nestor Rayes y Federico García del Cerro

Bienvenido al jazz en Bahía Blanca

link de descarga del citado cd

http://www.megaupload.com/?d=9XJ3PHDX

chachacha 3

2009-03-25T14:29:00.000-07:00

chachacha- 2

2009-03-24T17:16:00.000-07:00

TRIO FACUS - sala Payro 19/3/09

2009-03-23T15:23:00.000-07:00

Trío Facus y Raúl Soto: Jazz de “alto vuelo” en la Bahía

20 Marzo 2009

Bahianoticias - Por Silvia Paglioni. Ayer, en la sala Payró del Teatro Municipal brindaron un recital de Jazz moderno de “alto vuelo”, el Trío Facus, contando como músico invitado al saxofonista y clarinetista Raúl Soto. Interpretaron temas de Bill Evans, Keith Jarret, Bud Powel, Wayne Shorter, John Coltrane y otros grandes creadores del Jazz Moderno y además le rindieron un homenaje al gran trompetista Clifford Brown. El Trío Facus está integrado por Fernando Balestra en piano, Federico García del Cerro en bajo y Néstor Rayes en batería. Creo que la mejor definición que puedo brindar sobre lo vivenciado la brindó Raúl Soto, en un reportaje que le hiciera: “La música acaricia el alma, genera alegría y tristeza. Es la que une al músico con el público en el sentir”. Eso es lo que generaron anoche. He tenido la oportunidad de percibir a cuatro fabulosos intérpretes que expresan la vida, las emociones y los sentimientos a través del Jazz, siendo el piano, la batería, el bajo, el saxo y el clarinete las herramientas que utilizan para hacernos soñar y unirnos con ellos. Hubieron dos situaciones que bien definen la calidad, el respeto y el amor de estos músicos hacia su oficio.

En un momento me encontaba conmovida por la interpretación en piano de Fernando Balestra en el homenaje que le realizaron a Brown. No pudiendo contener las palabras, le comento a Raúl Soto: “Que maravilla de pianista…” y el me responde…”ahora no… después…” Me quedo observándolo y me encuentro con un músico con los ojos cerrados, totalmente compenetrado, sintiendo y expresando con su cuerpo como absorvía la música que estaba en el aire. Cuando finalizó la interpretación, me dice: “Es fabuloso Fernando…” La otra actitud para destacar: Las miradas entre ellos en ciertos pasajes. La mirada de Fernando buscaba la mirada de Federico, y esta la de Nestor, mientras sus cuerpos expresaban lo que sentían… placer, y se aprobaban moviendo con suavidad sus cabezas, como diciendo: “correcta conjunción” de ritmo y melodía. Son un equipo en verdad, son buscadores del equilibrio perfecto y de la armonía, lo cual nos habla de un gran Amor por lo que hacen y un enorme respeto hacia el público. “Esta no es una música “popular” por lo cual agracedecemos y sorprendemos mucho cuando viene tanta gente a escucharnos”, dijo Néstor Rayes. El Trío Facus logró que la sala Payró entrara en el túnel del tiempo y pudieramos experienciar que estabamos disfrutando de estupendo recital de Jazz en un ‘tea rooms’ de los años 50 en Nueva Orleans.

Mención especial y homenaje al trompetista y compositor estadounidense de jazz Clifford Brown.

Con una interpretación emotiva y brillante de Fernando Balestra en piano, de la balada “I Remember Clifford”, le rindieron un homenaje a Clifford Brown quien nació un 30 de octubre de 1930 en Pennsylvania, y murió un 26 de junio de 1956 en un accidente de tráfico a los 25 años. Comenzó a tocar la trompeta a los 15 años y hacia 1948 ya estaba tocando de forma habitual en Filadelfia.

Fue una figura destacable del bebop y del hardbop, que son estilos musicales del jazz que se desarrollaron en la década de los cuarenta y
ciencuenta del siglo XX.

Clifford Brown se carecterizó por las improvisaciones, por ser inventivo tanto en las baladas melódicas como en el jam sessions y por transmitir una gran emotividad. Fue también creador de muchas obras que se han convertido en estándares de jazz moderno. Su último tema “I don´t stand a ghost of a chance with you”, fue editado por el sello Emarcy Argentina con el nombre “Sé que no tengo chance contigo”

¿Sabías que?

El género se desarrolló en embrión a partir de las tradiciones de África occidental, Europa y Norteamérica que hallaron su crisol entre la comunidad afroamericana asentada en el sur de Estados Unidos. Los pioneros del jazz fueron King Oliver, Freddie Keppard, Louis Armstrong, Jelly Roll Morton, Sidney Bechet y Buddy Bolden.

Geográficamente, el jazz surge en el estado de Luisiana, concretamente en la zona de influencia de Nueva Orleans (cuna del estilo musical y principal centro jazzístico durante la primera época del jazz), a donde llegaban grandes remesas de esclavos de color, fundamentalmente de la zona occidental de África.

Las formas iniciales del jazz, con sus raíces populares y humildes, fueron básicamente el producto de músicos autodidactas. La palabra jazz, referida a un género musical, aparece escrita por primera vez el 6 de marzo de 1913 en el periódico San Francisco Bulletin, cuando, al reseñar el tipo de música ejecutada por una orquesta del ejército, señaló que sus integrantes entrenaban a ritmo de ragtime y jazz.

En estos primeros años, la forma del nombre oscila entre jaz, jas, jass, jasz o jascz, y, según Walter Kingsley, colaborador del New York Sun, “el término es de origen africano, común en la Costa del Oro africana y en las tierras del interior”. No obstante, puede que fuese un término originario del minstrel o del vodevil, o incluso del mundo árabe. Varios autores han subrayado también su relación con el acto sexual en el argot norteamericano.

“Esta no es una música “popular” por lo cual agracedecemos y sorprendemos mucho cuando viene tanta gente a escucharnos”, Néstor Rayes, baterista del Trío Facus.

El primer disco en el que apareció la palabra jazz como definidora de la música en él contenida lo grabó la Original Dixieland Band en enero de 1917 en Nueva York; durante ese año, además, se popularizaría el término, que probablemente había sido ya de uso común en la lengua oral entre 1913 y 1915. (Wikipedia)

CHA CHA CHA

2009-03-21T17:17:00.000-07:00

http://www.youtube.com/watch?v=cfXXR8Hu3Us&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=cv7Nh3xlrJc&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=Z9sYUmzliE8&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=sW-HaZTsduk&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=NoHjNQkCw14&NR=1

http://www.youtube.com/watch?v=z4HdZyMmf60&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=YKrkLvsdwog&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=61Z_5hn8bP0&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=ABMcMRWdwa8&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=UGYUP8vH5BA&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=35xTzKsLuwQ

http://www.youtube.com/watch?v=6xGEybxHMSc&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=wlpv6myBC24&feature=related

Federico Fellini

2009-01-24T21:25:00.000-08:00

Federico Fellini (Rímini, 20 de enero de 1920 - Roma, 31 de octubre de 1993) fue un director de cine y guionista italiano.

Carrera

Después de colaborar en los guiones de varios films de Roberto Rossellini: Roma, cittá aperta ("Roma, ciudad abierta", 1945), Paisá1946) y L´amore ("El amor", 1948); y debutar en la dirección junto a Alberto Lattuada con Luces de variedades en 1950, su primera película en solitario como realizador fue Lo Sceicco Bianco ("El jeque blanco", 1951) protagonizada por el cómico Alberto Sordi y escrita por Michelangelo Antonioni y Ennio Flaiano. Durante el rodaje de esta comedia entre satírica y burlesca con ecos del omnipresente neorrealismo de la época, Fellini conoció a Nino Rota, el músico que lo seguiría por el resto de su carrera. ("Camarada",

Además de dirigir y escribir películas, en sus inicios también escribió guiones para la radio y secuencias cómicas para actores conocidos como Aldo Fabrizi. Fellini también produjo varios dibujos (principalmente en lápiz sobre papel), a menudo retratos cómicos, siendo así como el joven Fellini conoció el cine: su primer éxito fue como dibujante publicitario para películas.

Avanguardista durante el Fascismo, sus primeras obras fueron para la Alleanza Cinematográfica Italiana (ACI), una compañía productora de Vittorio Mussolini, hijo de Benito Mussolini, a través del cual conoció a Roberto Rossellini.

En 1944, tras la caída del Fascismo en una Roma apenas liberada de las tropas armadas, abrió una tienda de retratos y caricaturas, "The Funny Face Shop". El mismo año comenzó su contribución a la película más emblemática del cine italiano de posguerra: Roma Città ApertaAlberto Lattuada ("Sin piedad", "El molino del Po"), Pietro Germi (En nombre de la ley", "La ciudad se defiende") y Luigi Comencini. ("Roma ciudad abierta"). Fellini también escribió guiones para otros directores reconocidos como

La actriz Giulietta Masina con quien Fellini se había casado en 1943, se convirtió en su musa absoluta y en el personaje físico y sobre todo emocional que fascinó al público de medio mundo en títulos dorados del cine italiano como Almas sin conciencia, Las Noches de Cabiria, La Strada, Giulietta de los espíritus o Ginger y Fred. Otro actor que aparece constantemente en sus filmes es Marcello Mastroianni, quien estudiaba el arte de la actuación en la misma escuela que Massina, y que fue gran amigo del director. De hecho, Mastroianni aparece en algunas de sus películas más importantes, siempre interpretando el papel principal (entre ellas La Dolce Vita y Ocho y medio). Fellini trabajó también con actores como Anita Ekberg, a quien lanzó a la fama, Sandra Milo, los ya citados Sordi y Fabrizi, Anouk Aimée, Claudia Cardinale, Richard Basehart, Sylva Koscina, Freddie Jones o Roberto Benigni.

Los guionistas con los que siempre trabajó (Bernardo Zapponni por ejemplo), lograron encontrar el modo de aunar diálogos y estructuras a la plasticidad, expresividad y enorme personalidad cinematográfica de Fellini (presente en la narrativa, encuadres, temáticas sobre lo onírico, el patetismo, la crueldad, la felicidad, la desolación, lo diferente, lo extravagante, la provocación, el humor, la farándula, lo mediterráneo...), y todo ello llega a desbordar rabiosamente la gran mayoría de sus películas.

Hay tres momentos en la filmografía de este director: Sus inicios, en constante coqueteo con la corriente neorrealista predominante en el cine italiano de los 40 y 50, y en aras de encontrar un estilo propio que le definiera como creador (de "El jeque blanco" a "Almas sin conciencia" pasando por la estupenda "Los inútiles" (I vitelloni, 1953); la resonancia internacional y conquista de las taquillas de todo el mundo, Oscars incluidos ("La strada", "Las noches de Cabiria", "La dolce vita", "Julietta de los espíritus, "El Satiricón", "Casanova" y "Amarcord"); y la época de madurez, marcada por su distanciamiento con la crítica y por su pérdida de rentabilidad masiva de cara al mercado coincidiendo con dos acontecimientos clave: al final de la supremacía de los grandes estudios estadounidenses y europeos, y el relevo generacional tan rupturista como radical que se produce en los primeros años 70 en medio mundo se une ahora el auge de la TV como motor del ocio diario de la gran mayoría del público, acompañada de la fabricación de un nuevo invento que cambia el concepto de la industria del cine predominante hasta entonces: el vídeo doméstico.

También ahora, la superación del cine de estructura clásica perjudica la carrera del cineasta ya que, paradójicamente, es ahora cuando el maestro italiano se vuelve -al menos aparentemente- más convencional en sus propuestas y, no nos engañemos, su cine <> en aras de las nuevas corrientes del cine del viejo continente (el thriller de Jean Pierre Melville, el clasicismo filosófico de François Truffaut, el compromiso político de Pier Paolo Pasolini, las innovaciones estéticas y formales de Bernardo Bertolucci, el lirismo poético y metafísico de Andrei Tarkovski, el auge de los nuevos y jóvenes creadores (Rainer Werner Fassbinder, Wim Wenders, Carlos Saura, Ken Russell, Vilgot Sjöman, Hristo Popov). Sin embargo es, en este momento, cuando Fellini se vuelca en hacer obras más pequeñas y personales, con menor presupuesto pero de encomiable envergadura artística, ya que esta crísis profesional no resta valía a los proyectos que va rodando y estrenando y, ciertamente, cualquier cinéfilo recuerda vivamente I clown ("Los clowns", 1970); Roma de Fellini ("Roma", 1972); Ensayo de orquesta1979) o E la nave va ("Y la nave va", 1983). (

Filmografía / Como director

Luci del varietà (Luces de variedades) (1950), codirigida con Alberto Lattuada. Se trata de una comedia sensible y vital sobre la farándula.

Lo sceicco bianco El Sheik / El jeque blanco (1951), fue su debut oficial y en ella aparece Giulietta Massina en un pequeño papel junto a Alberto Sordi. En ella se perciben algunas características luego reconocibles en el director: el tratamiento de la gran urbe de Roma como espectáculo en sí mismo, la contención expresiva de los actores, etc.

I vitelloni (Los inútiles) (1953), segunda comedia de Fellini, esta vez con Sordi y Aldo Fabrizi, convertida hoy dia en todo un clásico del cine italiano. Feroz sátira contra la amoralidad de la vida social de la Italia de entonces, se interna en el patetismo y la acidez que más caracterizarán la posterior filmografía del director.

L'amore in città (Amor en la ciudad) (1953) - episodio Una agenzia matrimoniale. En este excelente film de episodios que fluctuan entre el drama y la comedia compartió dirección con Rossellini, y contó con Ugo Tognazzi y Antonio Cifariello, entre otros actores.

La strada (1954). Primera obra maestra del realizador. Anthony Quinn, Giulietta Masina y Richard Basehart quedaron inmortalizados en esta melancólica y triste historia ambientada en el mundo circense, que enamoró al público en su estreno. Poética.

Il bidone (Alma sin conciencia/El Cuentero) (1955). Sin ser un drama negro plenamente neorrealista, sí incluye secuencias propias de esta corriente. En el film, Richard Basehart y Giulietta Massina sobresalen junto a Franco Fabrizi del resto del reparto, y la maestría con que Fellini va abordando cada película se hace palpable para crítica y público.

Le notti di Cabiria (Las noches de Cabiria) (1957). Segundo gran éxito de su director tras "La strada", y segunda obra capital de su carrera. La historia de una prostituta y sus anhelos está servida con una realización y una puesta en escena que rayan la perfección técnica, amén de un guión magníficamente trazado, que hacen de éste uno de los títulos más señeros del genial Fellini. François Perier y la Massina brillan en un film único. Como curiosidad, señalar que otro grande el cine con un universo propio (Bob Fosse) rodó un remake en Hollywood de este film en clave musical de considerable éxito ("Noches en la ciudad", 1968) con Shirley MacLaine, John McMartin y Ricardo Montalbán.

La Dolce Vita (íd.) (1960). La película por excelencia de su director, de cara al gran público, y uno de los títulos más famosos del cine europeo de los 60. Mastroianni como maestro de ceremonias de la alta sociedad romana, en su labor de cronista de sociedad, y la disección que hace Fellini de toda una época, aparte de la conocidísima escena de Anita Ekberg en la Fontana di Trevi han hecho que la cinta adquiera la categoría de mítica. También en el reparto, convence la siempre desaprovechada Yvonne Furneaux.

Boccaccio '70 (1962) - episodio Le tentazioni del dottor Antonio. En esta película de cuatro episodios, homenajeando las historias de Giovanni Boccaccio, trabajó con otros dos impecables cineastas del cine italiano: Vittorio de Sica y Mario Monnicelli, y volvió a dirigir a su amada Anita Ekberg en su primera propuesta rodada en color.

otto e mezzo (8 ½) (1963). Para muchos, su mejor film. Las vicisitudes del rodaje de una película y la desintegración personal del director (magistralmente interpretado por Mastroianni) sirvieron a Fellini para saldar cuentas consigo mismo y con la industria, y para establecer las bases definitivas de su estilo (que ya no abandonará ninguna de sus películas posteriores). Recientemente ha sido elegida como una de las 10 mejores películas italianas de todos los tiempos -junto a por ejemplo, la célebre "Cabiria" de 1914 dirigida por Giovanni Pastrone-.

Giulietta degli spiriti (Giulietta de los espíritus / Julieta de los espíritus) (1965). Sorprendió a la crítica de entonces por el uso del color como elemento expresivo y simbólico -que luego también usaron Ingmar Bergman en "La pasión de Anna" (1969 o R. W. Fassbinder en "Brehmer Frerit" (1974)-. La película contiene una de las mejores interpretaciones de Giulietta Masina -si no la mejor-, en un papel escrito expresamente para ella donde la actriz logra dotar de una amalgama de matices mucho más rica que hasta la fecha a su muy felliniano y eterno personaje de mujer frágil y desamparado frente a un mundo abigarrado, dentro de un guión sencillamente maravilloso, que rindió a los pies del realizador a los críticos de medio mundo. En esta cinta, de menor acogida comercial que sus antecesoras, comienza a introducirse un cripticismo moderado que se hará totalmente patente en el barroquismo de su "Casanova" (1974).

Tre passi nel delirio (1968) - episodio Toby Dammit. Louis Malle Roger Vadim dirigieron los otros dos episodios de este film ("Historias extraordinarias") basado en relatos de Edgar Allan Poe. y

Block-notes di un regista (1969) - TV

Satyricon (Fellini Satyricon) (1969), fue seguramente su mayor triunfo a nivel personal junto a "Amarcord" y a su versión de "Casanova". Todos los egos, genialidades, obsesiones, filosofías y demás cualidades del director están presentes en esta obra, que sigue la célebre obra homónima de Petronio. Metalenguajes e intertextualidad (ahora tan de moda en literatura, ciencias sociales, etc) se dan la mano en un film barroco, visualmente espléndido y muy placentero de ver para todo admirador de una verdadera obra de arte.

I Clowns (1971). Pequeña, sensible y conmovedora cinta que, sin aportar excesivas novedades a la carrera de Fellini, trasluce el amor del cineasta por el mundo circense y por lo que representa para él.

Fellini Roma (Roma) (1972). Excesiva, prolija, repetitiva, y sin embargo un nuevo y lúcido ejercicio de representación simbólica, en este caso en homenaje a una ciudad y sus gentes, un modo de entender la vida, etc. Sociológicamente interesante, Antropología Cultural incluida, la película desborda su argumento.

Amarcord (1973). Probablemente el último film de Fellini de relevancia internacional, Oscar a la mejor película extranjera incluido. El mundo de su infancia, la familia, la clase obrera, la miseria y la mentalidad de la "Italia profunda" (en el buen sentido) se conjugan excepcionalmente en una disertación viva, alegre y colorista, con mucho sentido del humor (el humor felliniano) y el deleite narrativo del que hacía gala.

Casanova (1976). Uno de los hitos en la carrera del realizador. Ambiciosa y arriesgada, pese a contener todo el universo de su creador, adapta de forma libre las célebres memorias del conquistador italiano Giacomo Casanova. Pese a que su éxito en taquilla no fue tal, la cinta desborda cine y sabiduría por los cuatro costados, tiene un considerable derroche de fantasía y quizá ilustra mejor que ninguna otra las obsesiones del gran cineasta sobre la vida y la muerte. Imprescindible.

Prova d'orchestra (Ensayo de orquesta) (1978). Poco conocido pero excelente film agridulce, que anticipa la infinita nostalgia-melancolía-filosofía vital que enmarca "Ginger y Fred". Estimable de verdad.

La città delle donne (La ciudad de las mujeres) (1980). Resultó ser su última colaboración con Marcello Mastroianni como protagonista absoluto, y permanece como uno de los mejores trabajos del cineasta. Se ha escrito mucho sobre la figura femenina en el cine de este director, y no siempre se ha entendido la relación de amor-admiración-misoginia-crueldad tan intensa del gran Federico con ésta. Inolvidables interpretaciones (Mastroianni, Ekberg, Ettore Manni.

E la nave va (Y la nave va) (1983). Ópera, cine de época, toques de surrealismo simbólico y vanguardia visual se entremezclan en la penúltima película del realizador que gozaron los espectadores de cine. Quizá no sea la mejor película de su director, pero revisándola hoy en día, uno percibe la serenidad con la que Fellini convivió durante sus últimos años de vida.

Ginger e Fred (Ginger y Fred) (1986). Obra maestra y punto. Ginger Rogers demandó a Fellini por el título de la cinta, referencia obvia. Inmensos Massina y Mastroianni.

Intervista (Entrevista) (1987). Film documental donde se habla de Fellini y sus películas por gentes que trabajaron con él. Tiene su aquél, pero no es ninguna joya del cine documental.

La voce della luna (La voz de la luna) (1989). Con Roberto Benigni.

Como guionista

Lo vedi come sei... Lo vedi come sei? de Mario Mattoli (1939)
Imputato alzatevi! de Mario Mattoli (1939)
Il pirata sono io! de Mario Mattoli(1940)
I cavalieri del deserto de Gino Talamo y Osvaldo Valenti(1940)
Avanti, c'è posto de Mario Bonnard (1942)
Quarta pagina de Nicola Manzari (1942)
Campo de' fiori de Mario Bonnard (1943)
Apparizione de Jean de Limur (1943)
L'ultima carrozzella de Mario Mattoli (1943)
Tutta la città canta de Riccardo Freda (1945)
Roma, ciudad abierta (Roma città aperta) de Roberto Rossellini 1945) (
Chi l'ha visto? de Goffredo Alessandrini (1945)
Camarada (Paisà) de Roberto Rossellini (1946)
Il passatore de Duilio Coletti (1947)
Il delitto di Giovanni Episcopo de Alberto Lattuada(1947)
Senza pietà ("Sin piedad") de Alberto Lattuada (1948)
El molino del Po (Il mulino del Po) de Alberto Lattuada (1948)
El amor (L'Amore) de Roberto Rossellini (1948)
En nombre de la ley (In nome della legge) de Pietro Germi (1949)
Il cammino della speranza de Pietro Germi (1950)
Luces de variedades (Luci del varietà) (1950)
Francisco, juglar de Dios (Francesco, giullare di Dio) de Roberto Rossellini (1950)
La città si difende de Pietro Germi (1951)
Cameriera bella presenza offresi... de Giorgio Pastina (1951)
Il brigante di tacca del Lupo de Pietro Germi (1952)
El jeque blanco (Lo sceicco bianco) (1951)
Europa '51 de Roberto Rossellini (1951)
Los inútiles (I vitelloni) (1953)
L'amore in città (1953) - episodio Un'agenzia matrimoniale
La strada (1954)
Alma sin conciencia (Il bidone) (1955)
Las noches de Cabiria (Le notti di Cabiria) (1957)
Fortunella de Eduardo De Filippo (1958)
La dolce vita (1960)
Boccaccio '70 (1962) - episodio Le tentazioni del dottor Antonio
Fellini 8 ½ (8 e ½) (1963)
Julietta de los espíritus (Giulietta degli spiriti) (1965)
Tre passi nel delirio (1968) - episodio Toby Dammit
Block-notes di un regista (1969) - TV
Noches en la ciudad (Sweet Charity) de Bob Fosse(1969)
Satyricon (Fellini Satyricon) (1969)
I Clowns (1971)
Roma de Fellini (Roma) (1972)
Amarcord (1973)
Casanova (1976)
Prueba de orquesta (Prova d'orchestra) (1978)
La ciudad de las mujeres (La città delle donne) (1980)
Y la nave va (E la nave va) (1983)
Ginger y Fred (Ginger e Fred) (1986)
Entrevista (Intervista) (1987)
La voz de la luna (La voce della luna) (1990)

2009-01-15T21:07:00.000-08:00

La Jetée


Ficha técnica

Título	La Jetée
Dirección	Chris Marker
Datos y cifras
País(es)	Francia
Año	1962
Género	Ciencia ficción
Duración	28 min.

La Jetée (1962), de Chris Marker, es una película francesa de ciencia ficción de 28 minutos filmada en blanco y negro. En ella, se relata la historia de un experimento de viaje en el tiempo llevado a cabo tras una guerra atómica. Si bien es una película, el director la define como una fotonovela, pues se realizó filmando una serie de fotografías que dan contexto a la narración que las acompaña y apenas cuenta con una breve secuencia de imágenes en movimiento.

12 monos (1995), de Terry Gilliam, se inspiró en La Jetée. David Bowie también se inspiró en esta película para el videoclip de la canción Jump, They Say (1993), dirigido por Mark Romanek.

La jetee (parte 3)

2009-01-15T16:33:00.000-08:00

La Jetee ( 2 PARTE )

2009-01-15T15:15:00.000-08:00

La jetee 1. parte

2009-01-12T22:16:00.000-08:00

Los Vengadores...¿se acuerdan?

2008-12-15T15:45:00.000-08:00

El antecedente directo de Los Vengadores lo hallamos en una poco exitosa serie policial de media hora de duración titulada Police Surgeon, una suerte de primitivo C.S.I con el actor Ian Hendry como protagonista interpretando a un médico forense llamado Geoffrey Brent que desarrollaba su labor en el seno de la policía londinense. La escasa repercusión de dicha serie llevó a Newman a reformular su premisa y mantener a Hendry a la cabeza (ya que éste gozaba de suficiente popularidad como para seguir apostando por él), encarnando un personaje similar llamado David Keel, aunque añadiéndole ahora un co-protagonista, de nombre John Steed, interpretado por el desconocido Patrick Macnee. Así nació Los vengadores, cuyo primer episodio, emitido en 1961, y ya de 50 minutos de duración, narraba cómo la prometida del Dr. David Keel era asesinada en un tiroteo, y la venganza de su muerte por parte del protagonista, ayudado por el agente John Steed, se convertía tanto en motor de todas las investigaciones futuras de dicha pareja de justicieros urbanos como en justificación del título de la serie (en realidad elegido por Newman basándose tan sólo en su sonoridad antes de tener siquiera definida una mínima base argumental).

Nadie que vea hoy aquella temporada inicial de Los vengadores, en forma de thriller urbano y realista, identificaría el germen de lo que posteriormente se convirtió en la más deliciosamente surreal y abstracta de las series de agentes secretos. Los primeros 26 episodios mostraban a Keel y Steed (éste con una importancia jerárquica claramente menor), siempre ataviados con sobrias gabardinas, combatiendo el crimen por las calles de un Londres repleto de atracadores, chantajistas, falsificadores y demás delincuentes comunes de corte absolutamente naturalista, que bien poco tenían que ver con los futuros villanos extravagantes y megalomaníacos que, apenas unas temporadas después, la serie haría célebres. No obstante, algo de la posterior tendencia grotesca ya comenzaría a asomar en algún que otro capítulo, como aquel en donde el dúo protagonista se veía obligado a luchar contra un grupo de simios entrenados por unos terroristas nazis.

Pese a obtener unos esperanzadores índices de audiencia, la primera temporada no proporcionó a Hendry los suficientes alicientes como para seguir apostando por su carrera televisiva. Su abandono marcaría, por un lado, el comienzo de una poco reseñable trayectoria fílmica, y, por otro, el verdadero despegue de Los vengadores como obra especial, sorprendente y cada vez más alejada de cuanto hasta entonces se había producido en la pantalla (tanto pequeña como grande). Ahora con Steed como protagonista único, la serie fue dejando progresivamente de lado el naturalismo y las tramas de procedimiento policial convencionales para adentrarse en terrenos argumentales más audaces y, porqué no decirlo, grotescos. Fruto de esta evolución, el personaje encarnado por Patrick Macnee también experimentaría una radical redefinición, hasta convertirse en el icono andante de lo british que es hoy en día. Fue en este segundo año cuando el señor Steed comenzó a empuñar su inseparable paraguas, y a vestir con sus elegantísimos trajes de corte clásico y esos bombines que, a veces, incluso podía llegar a usar, en los enfrentamientos cuerpo a cuerpo, como arma tan contundente como jocosa.

"Las peripecias de John Steed y sus diversas/os acompañantes siempre serán recordadas como el más audaz compendio de sofisticación visual y delirio narrativo generado jamás por la cultura pop"

No obstante, pese a la marcha de su compañero, el (ahora inmaculado gentleman) Macnee no quedaría ni mucho menos como protagonista único de Los vengadores, sino que la productora optó por complementar su presencia con la de tres cómplices ocasionales, que fueron rotando de episodio en episodio. A saber: Martin King (Jon Rollason), un médico que no era más que un clon de su predecesor, Venus Smith (Julie Stevens), una rubia cantante de cabaret, y la que acabaría siendo la pareja definitiva del agente secreto a partir de entonces: Cathy Gale (Honor Blackman), una fémina culta e independiente, experta en karate y aficionada a vestir de cuero negro tanto a la hora de noquear a los malhechores como cuando conducía su motocicleta de gran cilindrada. Tras el año de transición que significó la segunda temporada, Cathy Gale se erigió en compañera única de Steed en la siguiente y grandiosa temporada, primera en la cual comenzaría a imponerse la arrolladora imaginación del escritor Brian Clemens.

Para el público de aquellos años fue un verdadero impacto el asistir, semana a semana, al soplo de modernidad que significaba contar con dos protagonistas, hombre y mujer, relacionándose en términos de absoluta igualdad (sin por ello dejar de desarrollar una extrañamente irónica química sensual). Lejos de resultar el fuerte de la pareja, Steed, con sus finos modales e impecables trajes, cedía las partes más violentas de sus encargos a la letal Gale, sin tratarla jamás como una subordinada, sino más bien como una colaboradora independiente. Las tramas, por su parte, cada vez más lejos del naturalismo, se tornaron caprichosas y juguetonas (sobre todo en sus puntuales contactos con la ciencia ficción), al tiempo que los villanos neutralizados por el binomio protagonista iban adoptando un aire pulp y tragicómicamente maquiavélico, que explotaría, ya sin ningún control, al año siguiente.

El look clásico de la serie, así como su tono inclasificable, llegó, por fin, en la temporada 1965-66 cuando una nueva supermujer, Emma Peel (Diana Rigg, celestial como pocas), llegó para ocupar el lugar de Cathy Gale (Blackman abandonó la serie para intervenir como chica Bond en Goldfinger). Fue entonces cuando Clemens, aupado a la producción ejecutiva, junto a Albert Fennell, llevó al extremo todo lo apuntado durante la temporada anterior y logró la definitiva desconexión con la realidad que convertiría a Los vengadores en la serie de culto favorita entre los intelectuales, junto a El prisionero. Enfundada en atrevidos (por lo ceñido) conjuntos que superaban en femineidad los lucidos por su predecesora, Diana Rigg enamoró inmediatamente a millones de espectadores de todo el mundo, sin que por ello las espectadores dejarán de proyectarse en ella (¿cómo no admirar su fuerza, ingenio e independencia?). Culta, sofisticada y coqueta, la señora Peel (ella y Steed, pese a su alto grado de complicidad e intimidad, jamás dejaron de tratarse de usted) era capaz de seducir con una media sonrisa con la misma facilidad con la que noqueaba a cualquier grandullón con sus felinas habilidades como artista marcial.

Durante las dos temporadas siguientes (de las cuales la segunda significó, al fin, el abandono del blanco y negro) el humor absurdo, el morbo apenas camuflado y la visión más lúdica posible del género de espías camparon a sus anchas por todos los capítulos concebidos, en casi total libertad creativa, por Clemens. Androides asesinos, castillos encantados, científicos manipuladores del clima, clubs secretos de millonarios satánicos, rayos empequeñecedores, conspiraciones de secretarias para dominar el mundo, bombas atómicas escondidas en centros comerciales, pueblos habitados exclusivamente por asesinos, extraterrestres... No hace falta describir más elementos presentes en aquellas dos mágicas temporadas en las cuales Los vengadores se ganó merecidamente un lugar de honor entre las series más raras, divertidas e inteligentes de la historia.

Tras la triste marcha de Diana Rigg (curiosamente para intervenir también en una película de James Bond: 007, Al servicio secreto de su majestad británica) su lugar fue ocupado por la pizpireta Linda Thorson, quien, pese su belleza, chocó con la misión imposible de sustituir a su antecesora en el corazón de los seguidores de la serie. Más joven y voluptuosa que Emma Peel, el personaje de Tara King sirvió a los guionistas para dar un giro ligeramente paterno-filial (aun sin por ello renunciar a cierta tensión sexual) a la relación entre el ya maduro Steed y su compañera de aventuras. Pese a contar con un puñado de capítulos tan gloriosos como los de temporadas anteriores, por desgracia, el interés mayoritario decreció de forma tan llamativa tras la ausencia de Rigg, que la serie fue cancelada en septiembre de 1969, tras ocho años en emisión y 161 episodios producidos.

No obstante, en 1976 Patrick Macnee volvería a colocarse el bombín para protagonizar Los nuevos vengadores, fugaz y fallido (apenas duró una temporada) renacimiento de Steed, acompañado esta vez de dos colaboradores más jóvenes, Gambit (Gareth Hunt) y Purdey (Joanna Lumley, lo mejor de esta última etapa), fichados para ocuparse convincentemente de las escenas de acción ya algo fuera del alcance del veterano agente. Pese a este epílogo, repudiado por casi todos los fanáticos de la serie original, las peripecias de John Steed y sus diversa/os acompañantes siempre serán recordadas como el más audaz compendio de sofisticación visual y delirio narrativo generado jamás por la cultura pop.

El eternauta

2008-11-19T15:47:00.000-08:00

La historia comienza con un guionista de historietas, el propio Oesterheld, que en un ejercicio de metaficciónse utiliza a sí mismo como personaje. Su participación en la historia consiste en escuchar la historia que le es relatada por Juan Salvo, el "Eternauta", un hombre que se materializó de pronto en su casa.

La historia está relatada a partir del punto de vista de Juan Salvo, quien ocupa el rol de narrador. Además de los eventos, habla también de sus propias impresiones y análisis de los sucesos que van teniendo lugar en la historieta.

La historia que relata el personaje comienza en su casa en Vicente López, en donde estaba junto a su esposa Elena, su hija Martita y sus amigos Favalli, Lucas y Polsky. Mientras éstos jugaban al truco la gente en las calles comenzó a morir de pronto, debido a una misteriosa nevada fosforescente. Se plantea que ésta mata al entrar en contacto con la piel, lo cual justifica que las personas en la casa, así como también la gente en cualquier otra casa que hubiera estado completamente cerrada, no fueran víctimas de la misma. Favalli, quien es retratado como un profesor universitario de gran inteligencia y habilidad, encuentra la solución para no morir de inanición: crear un traje aislante que protegiera al cuerpo de cualquier contacto con los copos. Gracias al mismo Juan Salvo puede salir a la calle a buscar en los negocios cercanos los suministros necesarios para poder subsistir. En la ferretería del barrio se agrega a un nuevo personaje al grupo: Pablo, un chico de diez años, quien se salvó por haber sido encerrado en el sótano por el dueño del local.

Sin embargo, la grave crisis y la completa anarquía generada por la misma desencadenan un estado de gran violencia entre los sobrevivientes, por el cual a la muerte temprana de Polsky (quien escapara hacia su casa sin protegerse de la nevada) se le suma la de Lucas, asesinado por una persona común que le robó su traje aislante. Esta situación decide al resto de los personajes que deben escapar de la ciudad lo antes posible.

Sin embargo, no llegan a hacerlo. Pronto descubren las primeras señales que indican que la nevada sería producto de una invasión extraterrestre, y unos soldados sobrevivientes comienzan a reclutar a toda la gente que encuentran para hacerles frente. Juan Salvo, Favalli y Pablo se unen al ejército, mientras que Elena y Martita permanecen en la casa. Entre los sobrevivientes civiles se suman dos personajes más: Mosca, un historiador que toma nota de todos los sucesos para que la historia quede escrita para la posteridad (las intervenciones de este personaje son de carácter más humorístico que el resto de la obra); y Franco, un obrero tornero de gran valentía.

La primera batalla tiene lugar en la autopista de la General Paz, en donde se combate a extraterrestres similares a escarabajos gigantes, a los cuales se les llama "Cascarudos". Se les quita un arma de gran poder, un "lanzarrayos" que crea rayos gigantescos capaces de destruir incluso tanques o aviones de un solo golpe. Sin embargo, al analizar sus cadáveres se encuentra que poseen "teledirectores" clavados en la nuca, con lo cual se asienta que éstos no serían los verdaderos invasores sino apenas la fuerza de choque de unos invasores aún desconocidos.

A continuación, el ejército captura la Cancha de River para utilizarla como base de operaciones. Aquí tienen lugar varios combates. Por la noche, Juan Salvo y Franco lo abandonan para intentar averiguar más sobre los verdaderos invasores. Así llegan hasta un puesto situado en las Barrancas de Belgrano, donde encuentran a un extraterrestre de aspecto humanoide con manos con muchísimos dedos, (a quien conocen como "Mano"), quien controla a distancia a los "cascarudos", así como también a los "hombres-robot", sobrevivientes controlados de una forma análoga a estos últimos. Sin embargo, incluso este extraterrestre es a su vez controlado: forma parte de una raza pacifista, y es obligado a combatir por una "glándula del terror" injertada en él, que lo obliga a cumplir la voluntad de sus amos envenenándolo si tuviera miedo, y que Juan Salvo y Franco desencadenan sin saberlo al atacarlo. Dichos amos son conocidos como "Ellos" o "Los Ellos", y no aparecen como personajes propiamente dichos en ningún momento de la historia.

Luego del regreso al estadio, la actividad de los invasores aparenta cesar, lo cual es interpretado por los comandantes como una señal de que el enemigo se rinde y se retira. Todo el ejército abandona el estadio y marcha hacia el centro de la ciudad, por la calle Pampa y la avenida Cabildo, un recorrido forzado al estar todas las calles que las intersectaran bloqueadas por escombros de edificios derribados. Al llegar a la Plaza Italia un edificio cae atrás de ellos cortando el retroceso, dejando libre únicamente la calle Las Heras. Mediante la ilusión de un gigantesco incendio casi todos los soldados huyen por dicha calle, siendo aniquilados por los invasores; aunque Juan se demoró a rescatar a Favalli que quedó bajo el edificio, y varios se demoraron a esperarlo a él. Estos fueron a su vez atacados por los "Gurbos", unas bestias gigantescas similares a dinosaurios, y luego también con los lanzarrayos. Sólo Juan, Favalli y Franco logran escapar bajando a la estación de subte Plaza Italia, y quedan libres al derrotar al "Mano" que dirigió la operación.

Al salir se dirigen rumbo al centro de la ciudad, para averiguar todo lo que puedan sobre los invasores y luego llevar esa información a otros países en donde aún se resista a los mismos. El autor sitúa el cuartel general de la invasión en la Plaza del Congreso, la cual mediante la tecnología de los extraterrestres resiste los ataques provenientes de otros países. El grupo logra matar a los "Ellos", y detener de un golpe todas las actividades de los restantes invasores, aunque al hacer eso y desactivar las defensas, la ciudad queda indefensa y es destruida por una bomba atómica. El grupo, sin embargo, se las arregló para escapar a tiempo, reencontrando a Pablo y Mosca, de los cuales se planteó que se habían salvado de los lanzarayos de una forma similar a Juan, Favalli y Franco. Sin embargo, al llegar a la casa la "nevada" comienza otra vez.

La historia no continúa de forma análoga a su inicio. Los personajes escuchan una transmisión radial de potencias extranjeras, que aseguran haber logrado controlar la nevada mortal y evitar su caída en determinados sitios. En ésta se indica que se habrían creado áreas libres de nevada en diversos puntos de los países afectados, siendo el más cercano a Buenos Aires uno situado en Pergamino; todo lo cual contrastaba con la situación inicial en la cual se señalaba que no podían contar con la ayuda de nadie. Sin embargo, esto resulta ser una elaborada trampa de los invasores, destinada a atraer a todos los sobrevivientes a sitios específicos. Allí, Favalli, Fanco, Mosca y Pablo son capturados y convertidos en "Hombres-robot". Juan, Elena y Martita logran apoderarse de una nave descuidada, pero por error accionan una máquina que los envía a diferentes dimensiones paralelas, a las cuales se les llama "Continum". En uno de éstos le habría sido dado el nombre de "Eternauta".

En este punto se realiza un enlace circular con el principio de la historia. Juan Salvo, separado de su esposa y su hija, las buscaba a lo largo de los infinitos "Continum", y fue así como apareció en la casa del autor a quien le contó la historia. Fue entonces que se hizo notar un detalle: la historia relatada habría tenido lugar en 1963, pero en ese momento los personajes estaban en 1959 (el año real de la finalización de la publicación era este último). Esto implicaría que Elena y Martita aún estarían vivas en su hogar, al cual Juan acude rápidamente. Al llegar, olvida por completo todo lo ocurrido, pero al autor se le confirma la veracidad de la historia al ver llegar a Favalli, Lucas y Polski, quienes iban a jugar al truco igual que todas las noches, tal como Juan señalara. En los cuadros finales, el personaje que personifica al autor se propone a sí mismo escribir una historieta sobre lo que Juan Salvo le contó, para prevenir que la invasión tenga lugar en 1963.

Bird.

2008-11-15T23:13:00.000-08:00

UNA SECTA PELIGROSA

2008-11-14T20:17:00.000-08:00

Cienciología

La cienciología es un sistema de creencias y enseñanzas, originalmente propuesto como una filosofía laica en 1952 por L. Ron Hubbard, y posteriormente reorientado desde 1953 como una «filosofía religiosa aplicada».

Está principalmente representada por la Iglesia de la Cienciología. Puesto que La Iglesia de la Cienciología ha mantenido una práctica de defender sus técnicas por medio de la legislación sobre derechos de autor y secretos comerciales, algunos críticos la llaman una organización comercial. A partir de los años 1980 la Iglesia de Cienciología ha usado pleitos jurídicos para defenderse contra organizaciones y particulares que la denuncian. Esto ha creado una crítica de no estar en consonancia con la imagen de una religión.

El reconocimiento de la Cienciología como religión (recibiendo las garantías legales y beneficios impositivos que se les suelen conceder) varía según los paises. Mientras que países como Estados Unidos, Sudáfrica, Venezuela, Suecia y Australia le han otorgado este reconocimiento, son varios los países que han optado por considerarla una secta. En Francia es considerada secta absoluta y le ha negado el estatus de religión. En Bélgica se la considera una organización potencialmente peligrosa, investigada por las autoridades y los tribunales. Los tribunales de Suiza han dictado varias sentencias que niegan su carácter de religión y la califican como meramente comercial. En España la Audiencia Nacional ha reconocido su derecho a inscribirse en el Registro de Entidades Religiosas.La naturaleza de la Cienciología es objeto de acalorado debate en todos estos países, independientemente de la postura oficial.
La Iglesia de la Cienciología ha gastado grandes cantidades de tiempo, esfuerzo y recursos en una ambiciosa campaña de relaciones públicas para proclamar al mundo que la Cienciología es un religión bona fide. La organización ha recopilado una considerable cantidad de recursos que señala como «prueba» de que es una religión, y los portavoces de la Cienciología a menudo emplean algún tiempo subrayándolo. Como ejemplo, la organización señala los siguientes estudios sobre las doctrinas religiosas de la Cienciología realizados por prominentes expertos en religión de diversas fes.

Orígenes de la Cienciología

La Cienciología fue extendida y revisada a partir de la Dianética, un sistema anterior de técnicas de autoayuda originalmente propuesto en el libro de 1950 Dianética: La ciencia moderna de la salud mental. A mediados de los años 1950, Hubbard había relegado la Dianética a un subestudio de la Cienciología, si bien sigue siendo promocionada y difundida por la organizaciones cienciológicas. La principal diferencia entre ambas es que la Dianética es explícitamente secular, está centrada en la vida actual del individuo y trata de problemas físicos, mientras que la Cienciología adopta un enfoque más abiertamente religioso centrado en el tratamiento de cuestiones espirituales que abarcan múltiples vidas pasadas además de la actual. Hubbard fue acusado repetidamente de levantar una fachada religiosa a la Cienciología para que la organización mantuviese el estatus de exenta de impuestos y evitase la persecución por afirmaciones médicas falsas. Estas acusaciones han perseguido hasta hoy a la Iglesia de la Cienciología.

La palabra cienciología tiene su propia historia. Aunque actualmente está asociada casi exclusivamente con la obra de Hubbard, fue acuñada por el filólogo Alan Upward en 1907 como sinónimo de «pseudociencia». [1] En 1934, el escritor germano-argentino Anastasius Nordenholz publicó un libro usando la palabra positivamente: Scientologie, Wissenschaft von der Beschaffenheit und der Tauglichkeit des Wissens o Cienciología, Ciencia de la Constitución y la Utilidad del Conocimiento. [2] El libro de Nordenholz es un estudio de la consciencia, y su uso de la palabra no es demasiado diferente a la definición de Hubbard, «saber cómo saber». Sin embargo, no está claro si Hubbard estaba al tanto de estos usos anteriores. La palabra en sí es la unión de la palabra latina scio («saber» o «distinguir») y la griega λόγος lógos («la propia razón» o «pensamiento interno»). Parece plausible que el significado de Hubbard derive, como el de Nordenholz, de la simple traducción de estas raíces.

Creencias y prácticas

Las doctrinas de la Cienciología fueron establecidas por Hubbard durante cerca de 33 años desde 1952 hasta su muerte en enero de 1986 y difundidas en forma de miles de conferencias, libros, ensayos y políticas. La mayoría de los principios básicos de la Cienciología se presentaron durante los primeros 15 años de su existencia, dedicando posteriormente Hubbard la mayor parte de su tiempo a los más esotéricos niveles superiores (o «Tecnologías Avanzadas») del sistema de creencias cienciológico. La Iglesia describe sus acciones como una mejora y ampliación de la factibilidad y uso de estos principios.

Las creencias centrales de la Cienciología son que cada persona es un ser espiritual inmortal (llamado thetan) que posee una mente y un cuerpo, y que las personas son básicamente buenas. La vida que cada uno debería llevar es la de educación, conocimiento y mejora espiritual y ética continua, para poder así ser feliz y alcanzar la salvación definitiva, así como ser más efectivos en la creación de un mundo mejor. La Cienciología afirma ofrecer metodologías específicas para ayudar a la persona a conseguir esto.

Otro principio básico de la Cienciología es que hay tres componentes básicos interrelacionados (e intrínsecamente espirituales) que son el verdadero fundamento del «estado de vivir» (livingness) exitoso: afinidad, realidad (o acuerdo) y comunicación, que se equiparan al entendimiento. Hubbard llamó a esto «triángulo ARC». Los cienciólogos utilizan el ARC para mejorar sus vidas, basándose ante todo en la creencia de que elevar un aspecto del triángulo incrementa los otros dos.

En un intento de clarificar el concepto de mentes consciente, subconsciente e inconsciente, Hubbard escribió que la mente del hombre está estructurada en dos partes: la «mente analítica» y la «mente reactiva». Describió la mente analítica como la parte positiva, racional y calculadora, mientras la reactiva, de acuerdo con él, funciona sobre la base de estímulos y respuestas. Los cienciólogos creen que la mente reactiva es la raíz de la angustia individual, así como el origen de la aberración de la humanidad y su incapacidad para crear sociedades duraderas, prósperas y saludables

La metodología central de la Cienciología se denomina «auditación» (de la raíz latina aud-, «escuchar») y consiste en una comunicación personalizada con un «auditor» o ministro de esta iglesia. El auditor ayuda a la persona a llegar a comprenderse a sí mismo y a desentrañar la parte reactiva de su mente, es decir, «cargas» emocionales, incidentes traumáticos específicos, sus propias transgresiones éticas y malas decisiones del pasado que tienden a encerrarlo en una vida que no queda totalmente bajo su propio control.

La iglesia de la cienciología sostiene que su finalidad es un mundo sin guerra, crímenes ni locura, donde la gente buena y decente tenga la libertad de alcanzar sus metas.

Conforme un individuo avanza en la jerarquía dentro de la organización, demostrando estar más comprometido con ella, se le van revelando detalles sobre las creencias de la cienciología. Los niveles de esta jerarquía se llaman niveles OT. En los más avanzados de estos niveles les es revelado la existencia de Xenu. Xenu sería un emperador alienígena que dio inicio a una serie de eventos fantásticos que concluirían por explicar cómo los seres humanos son racimos de almas extraterrestres apiñadas dentro de cuerpos ajenos. Cada una de estas almas es llamada, en inglés, body thetans.

Aunque «Cienciología» se usa la mayoría de las veces como abreviatura de la Iglesia de la Cienciología, cierto número de grupos practican la Cienciología y la Dianética fuera del redil de la Iglesia oficial. Dichos grupos están siempre formados por disidentes de la Iglesia oficial y suelen argüir que ésta ha corrompido los principios de L. Ron Hubbard o bien que se ha vuelto excesivamente dominante. La Iglesia adopta un comportamiento extremadamente duro con los grupos disidentes, tachándolos de «apóstatas» (o «ardillas» en la jerga cienciológica) y sometiéndolos a menudo a una considerable presión legal y social. Los grupos disidentes evitan el nombre «Cienciología» para lograr así evitar ser demandados, y en su lugar se refieren a sí mismos colectivamente como la Zona Libre.

Los grupos de la Zona Libre son extremadamente heterogéneos en términos de doctrina, muy al contrario que la Iglesia oficial. Algunos de ellos practican una Cienciología más o menos pura, basada en los textos y principios originales (publicados por la Iglesia) de Hubbard pero sin la supervisión ni el sistema de tasas de la Iglesia oficial. Otros han desarrollado las ideas de Hubbard en formas radicalmente nuevas, algunas de las cuales son apenas reconocibles como relacionadas con la Cienciología.

Controversia y críticas

De los muchos nuevos movimientos religiosos que surgieron durante el siglo XX, la Cienciología ha sido uno de los más controvertidos desde prácticamente su fundación. La Iglesia de la Cienciología ha entrado en conflicto con los gobiernos de varios países (incluyendo los Estados Unidos, el Reino Unido y Alemania) en numerosas ocasiones a lo largo de los años. Otro punto de controversia es la infiltración de la Cienciología en la Hacienda Pública de los Estados Unidos en la llamada «Operación Blancanieves». Once cienciólogos de elevado rango, incluida Mary Sue Hubbard (esposa de L. Ron Hubbard), fueron condenados a prisión por su participación en esta infiltración.

La actual controversia entre la Iglesia de la Cienciología y sus críticos incluye los siguientes aspectos:

Alegaciones de actividades criminales de la Iglesia de la Cienciología y sus miembros.
Activismo de Cienciólogos en contra de la psiquiatría, y principalmente las drogas psiquiátricas como Prozac, Haldol, Paxil y Ritalin.
Denuncias de lavado de cerebro y control mental.
Política de desconexión del mundo.
Acusaciones de que L. Ron Hubbard creó una religión para lucrarse.
Muertes misteriosas de cienciólogos.
Acciones planificadas de la Cienciología contra sus críticos y enemigos.

Keith Jarrett Trio - My funny Valentine- Song

2008-11-12T18:50:00.000-08:00

El hombre en el castillo

2008-11-07T14:04:00.000-08:00

Philip Kindred Dick (Chicago, Estados Unidos, 16 de diciembre de 1928 - Santa Ana, California, EE.UU., 2 de marzo de 1982), mejor conocido como Philip K. Dick, fue un prolífico escritor y novelista estadounidense de ciencia ficción, que influyó notablemente en dicho género. Aclamado en vida por contemporáneos como Robert A. Heinlein o Stanisław Lem, Dick obtuvo poco reconocimiento antes de su muerte. Tras ésta, sin embargo, la adaptación al cine de varias de sus novelas le dio a conocer al gran público. Su obra es hoy una de las más populares de la ciencia ficción y Dick se ha ganado el reconocimiento del público y el respeto de la crítica. Gran parte de sus muchas historias cortas y obras menores fueron publicadas por revistas pulp.

Temática

Dejando a un lado el enfoque simplista y optimista del mundo frecuente en la "edad dorada" de la ciencia ficción, las obras de Philip K. Dick se caracterizan por una sensación de constante erosión de la realidad, explorando su naturaleza enigmática de forma sistemática y creando ambientes postmodernos y decadentes, adelantándose al subgénero cyberpunk. A menudo, los protagonistas descubren que sus seres queridos (o incluso ellos mismos) son sin saberlo robots, alienígenas, seres sobrenaturales, espías sometidos a lavados de cerebro, alucinaciones, o cualquier combinación de éstos; este rasgo de la obra dickiana refleja la obsesión del autor acerca de la frágil naturaleza que él consideraba que caracteriza la realidad perceptible. Sus historias a menudo se convierten en fantasías surrealistas a medida que los personajes van descubriendo que su vida diaria es realmente una ilusión construida por poderosas entidades externas (como por ejemplo en Ubik), por grandes conspiraciones políticas, o simplemente por las peripecias de un narrador no creíble.

Dick situó la acción de varias de sus novelas en el mundo anómico de California del Norte. Su aclamada novela El hombre en el castillo (1962, ganadora del Premio Hugo) es una obra pionera que mezcla los géneros de la ciencia ficción y la historia alternativa.

De acuerdo con el autor de ciencia ficción Charles Platt: "Toda su obra parte de la asunción básica de que no puede haber una única realidad objetiva; todo es una cuestión de percepción. La tierra puede temblar bajo tus pies. Un protagonista puede verse viviendo como sueño de otra persona, o entrar en un estado inducido por drogas que de hecho tenga más sentido que el mundo real, o aparecer en un universo completamente diferente".

Los universos alternativos y los simulacros son artificios argumentales habituales, presentando mundos ficticios poblados por personas normales y corrientes, en lugar de elites galácticas. Como indica Ursula K. Le Guin: "No hay héroes en los libros de Dick, pero hay actos heroicos. Uno se acuerda de Dickens: lo que cuenta es la honradez, constancia, amabilidad y paciencia de la gente ordinaria"

Dick no mantuvo en secreto que muchas de sus ideas y trabajos estuvieron fuertemente influidos por los escritos de Carl Gustav Jung, el fundador suizo de la teoría del psiquismo humano denominada psicología analítica (para distinguirla de la teoría freudiana del psicoanálisis). Durante su adolescencia, estuvo en tratamiento con un analista junguiano (Carrère 2007: 18). En los años 50, fue adquiriendo con devoción las obras completas de Jung, publicadas por la editorial Bollingen. Lo impresionaron especialmente sus Septem Sermones ad Mortuos, de inspiración gnóstica (Carrère 2007: 28). Jung, autodidacta experto en los fundamentos inconscientes y mitológicos de la experiencia consciente, opinaba que las experiencias místicas podían estar basadas en una realidad subyacente. Los modelos y construcciones junguianas que más afectaron a Dick parecen ser los arquetipos de lo inconsciente colectivo, las proyecciones y alucinaciones colectivas, las experiencias de sincronicidad y su teoría de la personalidad. Muchos de los protagonistas de las obras de Dick analizan la realidad y sus propias percepciones en términos junguianos (véase Lies, Inc. (1984)). Otras veces, el tema se refiere a Jung tan claramente que la conexión resulta obvia. La Exégesis de Dick también contiene muchas notas sobre Jung en relación con la teología y el misticismo.

Philip K. Dick experimentó con drogas psicoactivas, aunque siempre negó que hubieran influido en su obra. No obstante, el consumo de drogas fue tema importante en muchos de sus trabajos, como Una mirada a la oscuridad y Los tres estigmas de Palmer Eldritch. Dick consumió anfetaminas de forma habitual, y también experimentó brevemente con substancias psicodélicas, pero escribió Los tres estigmas de Palmer Eldritch, obra proclamada "la novela LSD por excelencia de todos los tiempos" por la revista Rolling Stone, antes de haber probado esa droga. Por otra parte, de acuerdo con una entrevista suya publicada en 1975 por la misma revista, Dick escribió todos sus libros publicados antes de 1970 bajo los efectos de las anfetaminas.

Infancia y juventud

Philip Kindred Dick y su hermana melliza, Jane Charlotte Dick, nacieron prematuramente seis semanas antes de lo normal, fruto de la unión entre Dorothy Kindred Dick y Joseph Edgar Dick en Chicago. El padre de Dick, un investigador de delitos económicos que trabajaba para el Departamento de Agricultura de los Estados Unidos, había contratado recientemente seguros de vida para la familia. La compañía de seguros envió a una persona al domicilio familiar el 26 de enero de 1929; al ver a Philip desnutrido y a Jane herida, el empleado llevó urgentemente a los niños al hospital. Jane falleció por el camino, con apenas cinco semanas de edad. La muerte de la hermana gemela de Philip lo afectó profundamente, tanto en su obra como en sus relaciones y en todos los aspectos de su vida, dando lugar al leitmotiv del "gemelo fantasma" en muchos de sus libros. Posteriormente, la familia se mudó al Área de la Bahía de San Francisco, en el estado de California. Cuando Philip cumplió los cinco años, su padre fue trasladado a Reno, en el estado de Nevada. Dorothy se negó a ir allí, de manera que ella y Joseph se divorciaron. Joseph peleó por la custodia de su hijo, pero finalmente no la consiguió. Dorothy, resuelta a criar a Philip sola, obtuvo un trabajo en Washington, D.C. y se mudó allí con su hijo.

Philip K. Dick cursó estudios básicos en la Escuela Primaria John Eaton desde 1936 hasta 1938, completando los cursos desde el segundo hasta el cuarto. Su peor nota fue un suficiente en redacción, a pesar de que uno de sus profesores comentaba que "demuestra interés y talento para contar historias". En junio de 1938, madre e hijo volvieron a California. Allí fue al instituto de enseñanza secundaria de Berkeley; él y Ursula K. Le Guin fueron alumnos de dicho instituto en la misma promoción, aunque no llegaron a conocerse. Tras terminar sus estudios secundarios pasó una breve temporada estudiando en la Universidad de California en Berkeley, pretendiendo especializarse en alemán, aunque abandonó estos estudios sin haberlos terminado.

Durante el tiempo que pasó en Berkeley, Dick trabó amistad con el poeta Robert Duncan y, según él afirmaba, fue presentador de un programa de música clásica de la emisora de radio KSMO en 1947. Desde 1948 hasta 1952 fue vendedor de discos, su único trabajo antes de publicar su primera historia corta en 1952. A partir de entonces, se dedicó a la escritura a tiempo casi completo, publicando su primera novela en 1955. Los años 50 fueron una época difícil para Dick, tanto que, como una vez dijo, "ni siquiera podíamos pagar las sanciones por atraso de la biblioteca". Se relacionó con la contracultura anterior a los 60 de California y simpatizaba con los poetas beat y las ideas de izquierda. Dick se opuso a la Guerra de Vietnam, por lo que el FBI le abrió expediente. De hecho, en 1955, Dick y su por entonces esposa, Kleo Apostolides, habían recibido una visita del FBI. La pareja creía que esto era el resultado de las ideas socialistas y actividades izquierdistas de Kleo. No obstante, ambos llegaron a entablar una amistad con uno de los agentes del FBI. Por otra parte, el propio Dick veía el comunismo como una forma de control similar al fascismo.

Madurez

El reconocimiento de la crítica le llegó a Philip K. Dick en 1963, cuando ganó el Premio Hugo por su novela El hombre en el castillo. Aunque Dick fue entonces aclamado como un genio en el mundillo de la ciencia ficción, siguió siendo un desconocido para el resto del mundo literario, por lo que sólo pudo publicar sus libros en editoriales especializadas que pagaban poco. En consecuencia, aunque publicó novelas regularmente durante los siguientes años, siguió teniendo dificultades económicas hasta el final de sus días.

En su introducción a la recopilación de relatos cortos El hombre dorado (1980), Dick escribió: "hace varios años, cuando yo estaba enfermo, Heinlein me ofreció su ayuda, cualquier cosa que pudiese hacer, y no nos conocíamos; me telefoneaba para animarme y ver cómo me iba. Él quería comprarme una máquina de escribir eléctrica, que Dios lo bendiga -- era uno de los pocos caballeros de verdad en este mundo. No estoy de acuerdo con ciertas ideas que desarrolla en su obra, pero no importa. En una ocasión en la que yo le debía mucho dinero a Hacienda y no podía conseguirlo, Heinlein me lo prestó. Tengo muy buena opinión de él y de su esposa; a ellos les dediqué un libro como muestra de aprecio. Heinlein es un hombre bien parecido, realmente impresionante y muy militar en su postura; se puede decir que tiene una apariencia militar, incluso en su corte de pelo. Él sabe que soy un friki chiflado y aún así nos ayudaba a mí y a mi esposa cuando teníamos dificultades. Eso es lo mejor del ser humano; eso es a quien y lo que amo".

En 1972, Dick donó sus manuscritos y papeles a la Special Collections Library en la Universidad del Estado de California en Fullerton, donde fueron archivados en la Colección de Ciencia Ficción Fullerton fue donde Dick trabó amistad con los escritores de ciencia ficción K. W. Jeter, James Blaylock y Tim Powers. Philip K. Dick en la Biblioteca Pollak.

La última novela dickiana publicada en vida del autor fue La transmigración de Timothy Archer. Por su carácter visionario, sus obras pueden compararse con las de William S. Burroughs, aunque Dick resulta menos mordaz y más filosófico.

Philip K. Dick se casó cinco veces y tuvo dos hijas (Laura e Isa) y un hijo (Christopher). Todos sus matrimonios terminaron en divorcio.

Sus visiones y problemas psicológicos

A la edad aproximada de 13 años, Dick tuvo un sueño recurrente durante varias semanas. Soñaba que estaba en una librería, tratando de encontrar un número de la revista Astounding Magazine. El número en cuestión se suponía que contenía la historia El Imperio nunca cayó, la cual le revelaría los secretos del universo. A medida que el sueño persistía, la pila de revistas en las que buscaba era cada vez más pequeña, pero nunca llegó a la última revista. Finalmente, Dick llegó a tener miedo de que llegar a descubrir la revista lo volviese loco (como en el NecronomiconLovecraft o El rey de amarillo de Chambers, prometiéndole al lector la locura). Estos sueños cesaron enseguida, pero la frase El Imperio nunca cayó habría de aparecer más tarde en su obra.

El 2 de febrero de 1974 (fecha sobre la que escribiría con frecuencia, cambiándola luego por alguna razón al 3 de febrero) se recuperaba de los efectos del pentotal sódico administrado durante la extracción de una muela del juicio rota. Al abrir la puerta para recibir un nuevo envío de analgésicos, advirtió que la mujer que le traía el paquete llevaba un colgante con lo que él llamó la "vesícula Piscis". Este nombre parece basarse en su confusión de dos símbolos relacionados, el Ichthys (dos arcos en intersección representando el perfil de un pez) que los primeros cristianos usaban como símbolo secreto, y la vesica piscis. Al quedarse solo, comenzó a sufrir extrañas visiones. Aunque éstas podrían en principio atribuirse a los analgésicos, se prolongaron durante varias semanas, lo que vuelve tal explicación poco plausible. Dick describió sus primeras visiones como rayos láser y patrones geométricos, y a veces visiones fugaces de Jesucristo y la antigua Roma, que vislumbraba periódicamente. Dick le explicó sus visiones a Charles Platt en estos términos: "experimentaba una invasión de mi mente por una mente transcendentalmente racional, como si yo hubiese estado loco toda mi vida y de repente me hubiese vuelto cuerdo". Durante febrero y marzo de 1974 experimentó una serie de visiones, a las cuales se referiría como "tres-dos-setenta y cuatro" (3 de febrero de 1974). A medida que las visiones crecían en duración y frecuencia, Dick proclamó que había comenzado a vivir una doble vida: una como él mismo y otra como Tomás, un cristiano perseguido por los romanos en el siglo I d. C. A pesar de que había consumido drogas y seguía haciéndolo, Dick aceptó estas visiones como reales, buscando otras explicaciones racionales y religiosas, creyendo que había establecido contacto con una entidad divina de algún tipo, a la que se refería como Cebra, Dios, o más frecuentemente SIVAINVI. SIVAINVI es el acrónimo de SIstema de VAsta INteligencia VIva (en inglés VALIS: Vast Active Living Intelligence System). Dick usó este término como título para una de sus novelas, de carácter semiautobiográfico (además de escribir sobre sus experiencias en otra novela del mismo carácter, Radio libre Albemuth), y posteriormente teorizó que era un satélite de algún tipo que usaba rayos para comunicarse con la gente de la Tierra. Afirmó que dicho ente usaba lo que él denominó un "estímulo desinhibidor" para predisponer a los sujetos a la comunicación, en su caso la vesícula Piscis.

El propio Dick especulaba con la posibilidad de sufrir esquizofrenia. La enfermedad mental fue uno de sus intereses constantes, impregnando su obra. El personaje Jack Bohlen de su novela Tiempo de Marte (1964) es un "ex-esquizofrénico". La novela Los clanes de la luna alfana1964) se centra en una sociedad entera de descendientes de enfermos internados en manicomios. En 1965 escribió el trabajo titulado La esquizofrenia y el Libro de los Cambios. (

SIVAINVI

La mayoría de los estudiosos de este fenómeno concluirían que las visiones de Dick fueron causadas por una breve crisis psicótica, y podrían estar en lo cierto. Sin embargo, lo que ha hecho que el misterio de las experiencias de Dick haya perdurado es la concurrencia de varios sucesos constatables difíciles de racionalizar. En una ocasión, durante un contacto con SIVAINVI, Dick advirtió que su hijo corría el peligro de morir a causa de una enfermedad no diagnosticada. Los chequeos rutinarios del bebé no descubrieron ningún defecto ni enfermedad. Sin embargo, Dick insistió en que se le efectuasen pruebas más exhaustivas para estar seguro de la buena salud de su hijo. El médico terminó por aceptar, a pesar de que el niño no presentaba síntomas de ningún tipo. Durante el examen los médicos le descubrieron una hernia inguinal, que le habría matado de no haberse operado rápidamente. El niño sobrevivió gracias a la operación, que Dick atribuyó a SIVAINVI.

Otro suceso extraño fue un episodio de glosolalia. La esposa de Dick transcribió los sonidos que le oyó pronunciar, y Dick descubrió más tarde que se trataba de un antiguo dialecto griego, que nunca había estudiado.

Exégesis

Experimentara o no realmente algún tipo de comunicación divina, Dick fue incapaz de explicar racionalmente los hechos. Durante el resto de su vida, luchó por comprender mejor lo que le estaba ocurriendo, cuestionando su propia cordura y su percepción de la realidad. Expurgó tantos pensamientos como pudo en un diario, la Exégesis.

A medida que pasaba el tiempo, se volvió crecientemente paranoico, imaginando que la KGB o el FBI urdían conspiraciones contra él y le tendían trampas de continuo. En algún momento pensó que habían irrumpido en su casa y hurtado diversos documentos, aunque más tarde concluyó que probablemente fue él mismo quien cometió el robo y luego olvidó que lo había hecho. Esta experiencia se ve reflejada en su personaje Bob Arctor - Agente Fred en Una mirada a la oscuridad.

Sus obras más tardías, especialmente la trilogía de SIVAINVI, tienen un fuerte componente autobiográfico. Muchas de ellas incluyen referencias al 2 de febrero de 1974. Dick fue también un voraz lector de obras de religión, filosofía y metafísica, especialmente de las relacionadas con el gnosticismo. La influencia de estas lecturas es patente en muchas de sus historias.

Pseudónimos

Ocasionalmente, Philip K. Dick firmó con pseudónimos, especialmente Richard Philips y Jack Dowland. El apellido Dowland se refiere al compositor John Dowland, que aparece en varias obras dickianas. El título de la novela Fluyan mis lágrimas, dijo el policía se refiere a la obra más conocida de Dowland, Fluyan mis lágrimas. En la novela La invasión divina, el personaje Linda Fox es una cantante muy conocida en toda la galaxia, cuyas canciones son todas ellas versiones de obras de John Dowland. Además, algunos protagonistas dickianos se llaman Dowland.

El relato corto Orfeo con pies de arcilla fue publicado bajo el pseudónimo de Jack Dowland. El protagonista desea ser la musa del autor ficticio Jack Dowland, considerado el mejor autor de ciencia ficción del siglo XX. En la historia, Dowland publica un relato corto titulado Orfeo con pies de arcilla bajo el pseudónimo de Philip K. Dick.

En su novela semiautobiográfica SIVAINVI, el protagonista se llama Amacaballo Fat. "Philip", o "Phil-Hippos", significa en griego "el que ama a los caballos", mientras que en alemán, "Fat" es la traducción del inglés "Dick".

Aunque el propio Dick nunca empleó esta denominación, sus seguidores y la crítica a menudo se refieren familiarmente a él como "PKD" (tal como se habla a veces de Jorge Luis Borges como "JLB"), y usan los adjetivos "dickiano" y "phildickiano" para describir su estilo y sus temas (como "orwelliano" o "platónico").

Su muerte

Philip K. Dick murió en Santa Ana, en el estado de California, el 2 de marzo de 1982, sin haber logrado determinar la causa de sus extrañas visiones. Después de su muerte, su padre llevó las cenizas del escritor a Fort Morgan, en el estado de Colorado. Cuando su hermana gemela falleció, su tumba fue inscrita con los nombres de los dos, con un espacio vacío reservado para la fecha de muerte de Philip K. Dick. Finalmente, ambos hermanos descansan en paz el uno al lado del otro.

Dick fue "resucitado" por sus seguidores bajo la forma de un androide operado por control remoto, diseñado a su imagen y semejanza. En febrero de 2006, una compañía aérea lo perdió, y hasta ahora no se pudo recuperar.